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Thomas Fersen et la bande dessinée

Thomas Fersen, une des plus belles voix de la chanson française, dont j’aime si profondément l’univers (On le salue à juste titre pour Monsieur, mais L’Enfant sorcière est sans doute une des plus bouleversantes chansons qui soient, avec cet éraillement, ce rebond narratif), est aussi un amateur connu de bande dessinée, cela se voit dans des entretiens, ici où là (il me semble même qu’il en a donné un à la revue DBD).

Pourtant, cela ne transpire pas dans ces chansons. Il est d’ailleurs à ce jour absent de mon projet sur « Chantons la bande dessinée avec… » puisque sauf oubli, je n’ai pas en tête de référence à la bande dessinée dans ses textes.

Des albums directement adaptés de chansons.

On trouve aussi dans sa production quelques ouvrages jeunesse avec des illustrateurices divers, il s’agit la plupart du temps de reprises de ses chansons en récit illustré. Il faut dire que son écriture s’y prête bien. J’ai retenu au moins cinq titres, un au Rouergue en 1998, croisant la chanson équestre Bucéphale avec des photos de Doisneau, une version illustrée de La Chauve souris par Aude Poirot en 2003 aux éditions Points de Suspension et trois aux éditions Les 400 coups en 2007-2008 (Les Malheurs du lion, Croque et Dugenou), éditeur qui a poussé le plus loin la collaboration. Aucun des illustrateurices n’a cependant de lien particulièrement fort à la bande dessinée, on ignore aussi la part de choix de Fersen dans le dessin, je l’estime minimale : un accord de principe sur suggestion de l’éditeur, il ne s’agit jamais que d’adaptation.

En 2021 paraît cependant un album inédity, Saute-la-puce, livre-disque illustré par Benoît Debecker paru aux éditions Margot, narrant une histoire fantasque du ukulélé. Dans un entretien à Ouest-France, on lit « Ce sont de drôles de retrouvailles qu’ont vécues ces deux-là. Plus de quarante ans après, Thomas Fersen et Benoît Debecker livrent une BD-disque, Saute-la-puce, aux éditions Margot, quelques mois après s’être retrouvés par hasard. » L’histoire est sympathique puisqu’il s’avère que Debecker et Fersen étaient voisins, et que le premier a initié le second à Lucky Luke. Cependant, malgré cette présentation et le fait que l’ouvrage soit présenté à Quai des bulles, c’est un album jeunesse et non une BD.

Plutôt chouette et joli album, mais clairement pas de la BD.

Décidément, ferai-je chou blanc ?

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Il existe toutefois quelques éléments identifiables. Le premier est sans doute la parution des Chansons de Thomas Fersen en BD en 2004 dans la collection « Chansons en BD » de Petit à petit. Après avoir adapté des poètes et nouvelles d’auteurs classiques, l’éditeur a un temps ouvert son catalogue à la chanson, avec d’abord des « vieux » comme Vian, Brassens ou Lapointe, puis à des chanteurs contemporains. Les premiers concernés furent Mickey 3D, suivirent Raphaël, Louise Attaque, Charlélie Couture (avec entre eux Brel ou Barbara) et donc Fersen, en même temps que Zazie. J’avais sincèrement un doute sur le potentiel commercial de ces titres, en tous cas pour les contemporains. Peut-être que ça se vendait bien, mais en tous cas Fersen fut l’avant-dernier titre.

Né dans une rose par Cécile Becq et Gaet’s, Bambi par Cécile Meyrand

La recette de cette collection était simple : une sélection de chanson, des jeunes auteurices pour les adapter. Parfois c’est très littéral, parfois un peu plus intéressant. Le fait que sur les cinq chansons adaptées quatre mobilisent un scénariste témoigne d’une volonté de simple illustration. De fait c’est sympathique, mais ça n’a rien non plus de particulièrement percutant. Une chanson comme « St Jean du Doigt », scénarisée par Oliv’, reste finalement assez proche du texte, en mobilisant surtout un contexte général (un cours de dessin de nu) plutôt qu’autre chose. « Né dans une rose », scénarisé par Gaet’s et dessiné par Cécile Becq, amène une jolie conclusion à la chanson. Mais là aussi, sans doute que Fersen n’a été réellement associé à rien et tout ça reste anecdotique. Comme souvent dans ce type de collectif l’intérêt est de voir si des noms ressortent quelques années après, je reconnais notamment Glen Chapron, que j’appréciais dans le fanzine Écarquillette, et qui a fait quelques albums depuis.

Non, à ce jour il n’y a pas de grandes contributions de Fersen à la bande dessinée. La mobilisation de son affection pour le médium, et la matérialisation de son goût se ressentent beaucoup plus à travers deux choix : un clip et une communication graphique.

Ainsi, en 2005 nous découvrions sur nos ordis, tout ébahis, le beau clip de « Hyacinthe », chanson sur une espèce de bon géant niais pouvant tout à fait tordre des cous, pour porter l’album Le Pavillon des fous. Si étudier cette figure chez Fersen est intéressant en soi (le lien est évident avec « Bambi », sur l’album précédent, par exemple – une chanson adaptée par Estelle Meyrand dans le bouquin Petit à petit d’ailleurs tient), ici c’est le dessin qui a frappé. Tout amateur de BD indé (comme on disait alors) reconnaissait le trait de Joann Sfar, d’autant que le personnage pouvait rappeler les naïfs et puissants golems de ses meilleurs albums. De fait, Sfar est bien derrière ce clip, accompagné de Kerascoët, duo composé de Marie Pommepuy, et Sébastien Cosset. À l’époque ils sont encore peu connus, un « BDJazz » sur Anita O’Day et, surtout, l’annonce de la reprise du dessin de Donjon Crépuscule, après Sfar donc. C’est d’ailleurs sur la réalisation de la série Petit vampire qu’ils se sont rencontrés, ils apparaissent alors globalement comme de bons exécutants du « style Sfar », qu’ils sauront performer et dépasser par la suite (Miss pas touche, mais surtout Sombres ténèbres, marqueront le basculement). En tous cas voici un premier lien évident, même s’il passe par des images qui bougent. Dans le même esprit on trouve trace d’un concert dessiné de Fersen avec Sfar à Angoulême en 2008 (« très prisé » selon Bodoï). Tout ça montre un milieu qui semble cohérent et d’ailleurs, ma foi, j’écoutais Fersen et lisait Sfar.

Le lien central reste sans nul doute l’album Je suis au paradis (2011), une merveille, en passant (« L’enfant sorcière » est une des plus belles chansons qui soient). De toutes ses pochettes d’album, elle est la seule qui soit dessinée, et par Christophe Blain lui-même. L’auteur du Réducteur de vitesse, de Quai d’Orsay, des Ogres, mais aussi premier dessinateur des Donjon Potron-minet avec Trondheim et Sfar, avait déjà réalisé les dessins du clip Comme un Manouche sans guitare de Thomas Dutronc en 2009 et pas encore publiés La Fille, BD musicale réalisée avec Barbara Carlotti, en 2013. Le projet est ici moins ambitieux, mais Blain produit une très belle pochette et l’affiche de la tournée (affiche que j’ai possédée, dédicacée par Fersen, mais restée avec une ancienne compagne – elle était signée aux deux prénoms). Comme le clip, on imagine ici un investissement réel du chanteur dans le choix.

Du pastel ? En tous cas ça y ressemble.

Au-delà de ces éléments classiques d’une communication de tournée, la sortie s’accompagne aussi d’une troublante bande dessinée de quatre pages « Qui es-tu Thomas ? », diffusée en ligne (avec une qualité assez faible). Sous la forme d’une interview fictive ou voit Fersen sur le canapé de la pochette renvoyer un journaliste à ses questions, raconter la genèse des chansons dans une espèce de transe post lecture de Dracula, enterrer symboliquement son ukulélé et prendre son envol par la fenêtre, s’affirmant définitivement d’un autre monde. Il semble que Tôt ou tard, producteur historique de Fersern, ait imprimé une version de ce récit, en meilleure qualité, réservé aux journalistes. On trouve sur un site d’occasion quelques photos de l’objet :

Le choix de Blain est l’occasion d’entretiens où Fersen revient sur son lien à la bande dessinée, en fait assez faible selon lui, tel que celui-ci, à La Libre Belgique :

On vous sent proche de la BD, des univers de Joann Sfar avec qui vous avez collaboré, et ici de Christophe Blain.
Je me sens très proche de l’univers de Christophe Blain, oui. Les grandes chaussures fines, cette espèce d’élégance qu’il y a dans ses personnages, ses ellipses, ses bascules – je fais ça aussi dans mes chansons -, son rythme, son esthétique, son appréhension du texte, ce qu’il aime dans la langue : à la fois un certain esprit et un certain style. Un esprit français, cette vieille civilisation un peu moisie mais extrêmement raffinée.

Il y a aussi, comme dans vos chansons, pas mal de femmes, de belles femmes, dans les BD de Christophe Blain…
Ah oui, oh la la On a la même maladresse, timidité face aux femmes. Je pense que j’étais influencé par Blain quand j’ai fait la chanson « Mathieu », avec ces trois types qui attaquent des banques, qui n’ont aucun scrupule, mais qui, après, sont incapables de parler à une femme.

La BD, finalement, vous en êtes proche à divers égards. Joann Sfar a aussi réalisé un de vos clips, notamment.
Oui, cela dit, la bande dessinée, je n’en lis pas beaucoup. J’en ai lu dans les années 60. Mon baby-sitter m’avait fait découvrir Lucky Luke [Note : le fameux Benoît Debecker du début] et sa sœur m’a appris à jouer « Jeux interdits » à la guitare. Ils m’ont mis le pied à l’étrier, l’un pour les textes, l’autre pour la musique, ces deux-là, ils ont fait fort ! Les premiers Lucky Luke, c’est tout un esprit, qui est encore présent, je pense, dans les BD de Blain. C’est pas Goscinny non plus. C’est plus rugueux, moins franchouillard.


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Item plus inattendu de cette recension, Fersen fait parfois l’acteur. Sa posture et sa voix si particulière (et son charisme certain pour qui l’a vu en concert) lui ont permis de jouer, sur scène comme à l’écran. Parmi les rôles, il a notamment été casté comme interprète pour la voix de… Gaston Lagaffe, dans une série animée assez étrange sortie en 2008 (les ayants droit interdisant la création de nouveaux dessins, les dessins d’origines étaient animés, ce qui créait et une grande proximité et un effet pantin de papier curieux). À cette époque, Fersen avait encore pu jouer la comédie, le choix n’avait rien d’évident ? Comme le raconte le réalisateur Alexis Lavillat au Soir, il s’est pourtant distingué parmi plus de 50 candidats : « Des stars ont postulé pour tenir la voix de Gaston. Certains en faisaient trop. D’autres sont restés tétanisés ou avaient un accent trop parisien. Franquin pensait que Gaston avait une voix de fumeur, celle de Jidéhem, l’auteur des décors des premiers gags. On a écouté un bout d’interview de Jidéhem et on a pensé à Thomas Fersen. Sur l’un de ses disques, il disait avoir pris la voix de son père quand il lui lisait les albums de Gaston. C’était la voix cachée qu’on attendait. » L’idée a donc été non pas de chercher la voix idéale des lecteurs (multiples) mais celle qui aurait pu paraître idéale à l’auteur.

On imagine bien Fersen dans ce personnage gentil, traînant, sans doute pas très énergique par rapport au chanteur… Le pilote est sorti avec cette voix, il n’est plus mis en ligne par la production mais on le retrouve sur YouTube (ci-dessous). À noter que malgré une performance plutôt saluée et convaincante, Fersen abandonne le doublage pour la série réelle, l’acteur Micha Lescot prenant le rôle, sans que la raison ne soit explicitée (Un article de Papiers nickelés parle d’un problème de temps).

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Enfin, il paraît indispensable de parler aussi parler de Fersen personnage, en dehors de la promotion de ses nouvelles sorties. Il n’y a pas d’album le mettant en scène comme le fort réussi J’aurai ta peau Dominique A. par exemple. J’avais cependant souvenir d’une note de Boulet très drôle dans laquelle il imaginait les chanteurs vivre les scènes de dédicaces des auteurs de BD, et il avait justement imaginé pour cela Thomas Fersen insérant des prénoms dans des chansons, ou devant faire des chansons à la demande suivant les désidératas des fans. Je pensais peiner à la retrouver, mais son site est très bien fait et en quelques recherches de mots-clés, hop, on peut la lire ici. Voici l’extrait en question, je recommande cependant d’aller lire le tout car c’est très drôle :

Logiquement, le récit a été repris dans un des recueils, mais lequel ? Après le 6 mais à part ça…

Le moteur de recherche des notes de Boulet sort aussi ce gag, et c’est crédible puisque Boulet y parodie des textes assez reconnaissables (comme « Les Voisines », de Renan Luce), mais je n’ai pas reconnu la chanson de Fersen. Je dois fatiguer. Ou c’est un piège.

Fersen apparaît sans nul doute chez d’autres auteurs, il faut dire qu’il a un physique et une posture qui fait très bien personnage je trouve, et puis sinon on le croise nécessairement, ne serait-ce que dans des reportages. À ce titre on le retrouve encore chez Sfar, dans le volumineux carnet racontant le tournage de Gainsbourg vie héroïque, et sans doute dans le reportage dessiné de Mathieu Sapin sur ce film, Gainsbourg (vie héroïque) Journal d’un tournage, mais je ne l’ai pas sous la main. Thomas Fersen a en effet joué dans le film de Sfar, un espèce de loup humanoïde servant de conscience à Boris Vian (joué par Philippe Katerine). La scène, où Fersen est affublé d’un gigantesque masque, est coupée au montage. On la trouve dans les bonus DVD mais aussi, racontée ainsi en bande dessinée.

Qui dit reportage dit aussi journaux de concerts en direct, j’ai d’ailleurs vu ce dessin passer sur un groupe Facebook, sans source. On envisage Benjamin Adam, à suivre pour infirmer ou confirmer, et à vos suggestions d’autres images.

Crédit bandeau : Christophe Blain, extrait de « Qui es-tu Thomas ? », 2011.

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Notice pour une encyclopédie : Bibliothèques (et bande dessinée)

En 2021, Thierry Groensteen a publié dans la collection bouquin Le Bouquin de la bande dessinée. Ce dictionnaire encyclopédique reprenait les articles parus sur neuvième art, la revue en ligne de la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, qu’il dirigeait. Pour sortir l’ouvrage, il a commandé un certain nombre d’articles inédits (je dirais un tiers du total), dont un sur les bibliothèques, et donc sur l’émergence de la bande dessinée dans les bibliothèques, que j’ai eu le plaisir d’écrire. La partie pré-Bouquin est toujours en ligne, avec des articles parfois un peu actualisés (mais très peu le sont).

Groensteen a quitté la direction de neuvième art la même année, Irène le Roy Ladurie et Sylvain Lesage ont repris le projet, et j’y contribue ponctuellement (avec notamment ce dossier Julie Doucet), même si ça commence à faire trop longtemps ! Il avait été envisagé à l’époque de développer le dictionnaire : mises à jour, nouveaux articles (comme dans tout choix, il y avait des manques évidents dans le Bouquin), publication d’une partie des textes inédits publiés dans le Bouquin. Et de fait, ces textes n’avaient pas été soumis à droits de Robert Laffont (éditeur du livre) : pour l’article que j’ai écrit, c’est avec la CIBDI que j’ai signé une note de droit d’auteur, et aucun document de cession. J’ai donc rapidement donné mon accord pour que mon texte rejoigne l’édition en ligne, mais finalement la publication n’a pas eu lieu et le dictionnaire va plutôt rester figé dans son existant, neuvième art développant d’autres projets.

Mais puisque les droits m’appartiennent et que je suis toujours pour la plus large diffusion des travaux, voici donc cet article, rédigé en 2020, avec quelques images en plus (mais pas le dessin de Trondheim, puisque chaque article du Bouquin était illustré d’un cabochon de l’auteur de Lapinot, ce qui était quand même chouette, rien que ça justifie l’achat).

BIBLIOTHÈQUES

Lorsque, en 1956, Alain Resnais tourna Toute la mémoire du monde, documentaire sur la Bibliothèque Nationale de France, il souhaita débuter le court-métrage par un plan survolant de vieux illustrés. Une anecdote fameuse rapporte que, face à des bibliothécaires ignorant où pouvaient se trouver ces titres dans leurs collections, ni même s’ils les conservaient, le cinéaste bédéphile s’était résolu à ramener ses propres exemplaires pour les filmer dans la prestigieuse enceinte. Cette mésaventure résume assez bien le début de relation difficile entre les bibliothèques et la bande dessinée, longtemps rapportée à un mauvais genre réservé, dans le meilleur des cas, à la distraction où aux enfants.

On manque d’études et de données réelles sur les bandes dessinées dans les bibliothèques en Europe, la distinction de ce fonds d’avec les autres ouvrages ne devenant générale que dans les années quatre-vingt. De l’époque des suppléments illustrés, on garde très peu de traces, ceux-ci étant rarement conservés, contrairement au titre « noble » composé du journal principal. Après-guerre, on trouve encore très peu d’albums ou d’abonnements à des magazines, la présence ponctuelle dans telle ou telle bibliothèque est alors le fruit de hasards heureux. Il faudra attendre le début de la bédéphilie et le développement d’une offre d’albums plus conséquente, avec des succès reconnus par la presse et les élites culturelles, pour que les bibliothèques s’ouvrent vraiment à la bande dessinée. La première expérience de bibliothèque de la bande dessinée est d’ailleurs liée directement à l’action d’un passionné.

Jean-Claude Faur, créateur des fanzines Haga et Bédésup, est également conservateur des bibliothèques à Marseille, ce qui lui permet d’y fonder en 1979 le Centre d’étude et de documentation sur l’image (CEDOCI), rattaché à la lecture publique municipale. Pour légitimer cette initiative originale, il s’appuie sur l’existence du colloque « Éducation et bande dessinée » de La Roque d’Anthéron, qu’il a contribué à créer, et nourri le fonds grâce à son réseau et à ses collections. Il fait d’ailleurs régulièrement appel à des auteurs de Tintin ou Spirou pour réaliser des publicités pour faire connaître le CEDOCI. Cette structure, qui n’existe plus, a été un des premiers lieux bibliothéconomiques de la bande dessinée, servant de ressource aux professionnels. Le centre devint même dépositaire d’un exemplaire du dépôt légal, avant que celui-ci ne fût réservé au CNBDI d’Angoulême, puis réintégré à la BnF. Faur observa que les bibliothèques s’ouvrirent vraiment aux albums de BD à partir des années 1972-74, « période qui coïncide avec le succès sans précédent obtenu auprès des enfants, et surtout de leurs parents, par les récits d’Astérix ».

François Walthéry, une publicité pour le CEDOCI mettant en scène Natacha, en savoir + sur ce donds et sa destinée : https://www.bmvr.marseille.fr/patrimoine/collections/bd

Cette borne est cohérente avec les quelques discours professionnels sur le sujet. Le premier texte retrouvé qui évoque la présence de la bande dessinée dans les bibliothèques en France est un guide pour les lecteurs du Bibliobus de la Bibliothèque départementale du Haut-Rhin, publié en 1975. Intitulé Avec le bibliobus, découvrez la bande dessinée, c’est un véritable recueil de discours historiques et esthétiques, cherchant à mettre en valeur les qualités de la bande dessinée et à proposer des listes de séries incontournables. Cet outil de médiation, fruit d’une volonté non seulement de proposer des bandes dessinées, mais aussi de faire tomber les préjugés des emprunteurs, notamment des parents et des prescripteurs, est cependant resté très isolé. La littérature professionnelle nous apprend aussi que c’est en 1976 que l’Association des Bibliothécaires de France envisagea de créer une « commission bande dessinée » (qui n’existe plus), et en 1977 que l’Heure Joyeuse, première bibliothèque en France entièrement consacrée à la jeunesse – et qui possède un fonds de bandes dessinées patrimoniales –, se lance dans une réelle politique d’acquisition d’albums. Cela comprend aussi des bandes dessinées pour adultes, ce qui illustre d’ailleurs une confusion.

Une des pages d’Avec le bibliobus, découvrez la bande dessinée (1975), « La femme dans BD » apparaissait déjà comme un sujet original (et l’était un peu plus…)…

En Belgique, la bibliothèque municipale de la commune d’Etterbeek (Bruxelles), prend en 1983 le nom d’Hergé, décédé cette année-là, et crée elle aussi un fonds spécialisé en bande dessinée, le premier dans une bibliothèque belge. S’il n’y a pas encore de réflexion globale uniforme, un peu partout des réseaux d’échanges sont créés, des fonds se constituent, parfois en lien avec des festivals locaux. En tout cas, la bande dessinée a fait son entrée dans les bibliothèques. Dans les bacs, pourrait-on dire, puisque c’est un des contenants priorisés par les professionnels, comme pour les albums jeunesse.

Cependant, les travaux universitaires indiquent de constants questionnements, depuis quarante ans, sur la bonne manière de classer et cataloguer les bandes dessinées. Si ces sujets techniques sont d’un intérêt limité pour le néophyte, disons qu’il y a peu de supports qui n’aient pas une norme propre : les CDs, les jeux, les livres obéissent à un code. Pour le livre, support de la bande dessinée, il s’agit de la cotation Dewey, qui ne peut s’appliquer réellement puisqu’elle reviendrait à numéroter tous les titres de la même manière. Chaque bibliothèque bricole donc, au fil de ses réflexions, de son fonds, de ses échanges et de son mobilier. Certaines créent des bédéthèques, sur le modèle des discothèques, d’autres s’y refusent. Si ces questions techniques désemparent beaucoup de professionnels, il est plus intéressant de noter que la bande dessinée a des particularités notables en bibliothèques. Après le temps de la défiance est venu celui de la puissance : la bande dessinée est un objet particulièrement demandé, dévoré par les lecteurs. Le revers de ce succès, c’est que beaucoup de structures se contentent d’y voir un produit d’appel fonctionnant tout seul et ne nécessitant ni médiation ni réflexion, se satisfaisant d’un taux de prêt qui peut être deux fois plus important que la part du budget consacrée à la BD.

Longtemps, ce fut un des secteurs les plus marqués par les vols, liés à un effet de désir plus grand, sans doute aussi au coût des albums, mais ce fait, constaté par tous les textes des années 1980/90, s’est amenuisé avec le développement des antivols et l’expansion des offres culturelles. Par contre, l’originalité des usages n’a pas bougé. Dans un mémoire de 1986, une bibliothécaire déclarait « une BD revient au bout de deux jours et ressort dans la journée », pointant à la fois une lecture rapide et un taux de rotation extraordinaire. Le temps de lecture varie évidemment selon qu’on emprunte un Astérix ou un roman graphique volumineux, mais la vitesse apparaît comme une constante générale, qui n’est pas sans poser de problème : soit les prêts limités en nombre se révèlent ridiculement faibles pour les bandes dessinées, quand ils semblent suffisants pour les autres livres, soit les structures acceptent de prêter l’ensemble d’une série d’un seul bloc, mais les rayons se vident alors trop vite.

Le titre éloquent d’un article paru en 1986…

Le risque d’être confronté à des bacs constamment vides inspirait ce titre à un article des Cahiers de la bande dessinée « Bande dessinée : c’est le fonds qui manque le plus » (Ciment et Lescaut, 1986). Toutefois, depuis trente ans, les fonds se sont considérablement enrichis, sous le triple effet du temps, de la légitimation accrue du genre et d’une offre éditoriale plus vaste. Il est cependant très fréquent que les séries à succès semblent inexistantes, tant leur emprunt est permanent, et cela quand bien même les structures en achètent plusieurs lots. Autres aspects particuliers à la bande dessinée constatés dans les bibliothèques : il s’agit d’un des supports les plus lus sur place, et pour lesquels les pratiques de relecture sont les plus courants – cette observation est conforme aux résultats des études sur les pratiques culturelles des Français. Si la lecture sur place est en partie lié à la rapidité de lecture, il faut la mettre en perspective avec les taux d’emprunts très élevés, qui sont donc malgré tout en deçà de l’impact réel des bandes dessinées sur le public. Face à une demande aussi forte, les bibliothèques ne peuvent donc se contenter d’être passives et doivent inclure la bande dessinée dans leur offre générale de lecture publique.

Les bibliothèques sont désormais également pourvoyeuses d’animations régulières autour du 9e art, parfois en lien avec des festivals ou libraires locaux. Lieux de médiation, elles accueillent ateliers, rencontres, conférences et expositions, en lien parfois avec les éditeurs qui développent une offre dans ce domaine. Dans un contexte de paupérisation des créateurs, le réseau des bibliothèques, notamment territoriales, qui suit généralement les pratiques réclamées par ceux-ci à travers les instances qui les représentent, apparaît comme l’un des premiers acteurs du soutien public indirect à la création. Mais, en se tournant vers la production contemporaine et la médiation, les bibliothèques tendent à délaisser la fonction de conservation, contribuant à faire de la bande dessinée un « art sans mémoire ». Seules les bibliothèques nationales et quelques bibliothèques spécialisées (principalement publiques, mais pas uniquement) sont garantes de la conservation du patrimoine et de l’histoire de la bande dessinée.

En France, le fonds du CEDOCI a été dissout dans les collections de la ville de Marseille, mais la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image d’Angoulême possède un des plus gros fonds mondiaux. Si celui-ci est principalement en langue française, il contient aussi un certain nombre d’ouvrages étrangers, développant à la fois un fonds patrimonial accessible aux chercheurs et une bibliothèque publique ouverte gratuitement à tous. Aucune bibliothèque du territoire ne peut rivaliser avec celle de la Cité, où l’on trouve des documents parfois inaccessibles à la BnF. La France possède plusieurs autres structures avec un large fonds de bandes dessinées, comme la médiathèque La Bulle, à Mazé-Milon, centre de bande dessinée porté par la Région Pays de la Loire, ou la médiathèque Marguerite Yourcenar dans le XVe arrondissement de Paris, pôle identifié du réseau de la capitale et notamment le seul à conserver, pour leur intérêt historique, des albums qui seraient pilonnés ailleurs.

En Suisse, la ville de Lausanne a créé un Centre BD au sein de sa bibliothèque publique, qui représente le deuxième plus grand fonds patrimonial d’Europe, marqué par la présence d’ouvrages du XIXe et par un très riche fonds de périodiques (depuis 1910 !). En Belgique la plus grande collection accessible est la bibliothèque du Centre belge de la bande dessinée à Bruxelles, une structure privée. Si la salle de lecture est relativement modeste, le centre de documentation et de conservation est, lui, très riche. Au Québec, enfin, l’Université du Québec en Outaouais de Gatineau possède une intéressante collection dans sa bibliothèque universitaire – se rapprochant sans doute du modèle des universités américaines, dont un certain nombre possèdent des fonds importants d’œuvres, voire de planches originales. L’Université, qui dispense la seule formation en bande dessinée diplômante de la province, a créé un fonds spécifique sur la production locale et notamment les microéditions, grâce à un don massif de Sylvain Lemay, professeur de l’école, scénariste et écrivain. Ces titres, souvent introuvables dans les autre bibliothèques, y compris celles précitées, en font une structure importante à connaître dans notre espace linguistique, en attendant que d’autres ouvrent, avec le même souci scientifique et de conservation, dans les pays d’Afrique francophone, où elles sont encore à créer.

Sylvain Lemay devant la BéDéthèque Québécoise de l’Université du Québec en Outaouais en 2013. Photo de Simon Séguin-Bertrand pour Le Droit.

Bibliographie

CIMENT Gilles et LESCAUT Anne, « Présence de la bande dessinée dans les bibliothèques publiques : c’est le fonds qui manque le plus », Les Cahiers de la bande dessinée n° 70, juillet 1986, p. 37-41.
DUFAUX Florent, « La Bande dessinée indépendante, nouvel Eldorado des bibliothèques ? », dans Roland Margeron et Jean- Bernard Mottet (dir.), Genève et la bande dessinée : regards croisés, Genève, Département des affaires culturelles de la Ville de Genève/AGPI, 2006.
FAUR Jean- Claude, « Le Centre d’étude et de documentation sur l’image à la Bibliothèque municipale de Marseille », Bulletin des bibliothèques de France(BBF), 1982, n° 2, p. 85-88.
FERREYROLLE Catherine (dir.), « Dossier Bande dessinée », Bibliothèque(s) n° 51, juillet 2000, p. 6-53.
PICARD Guillaume, Des bulles en bacs : quel classement et quelle valorisation en bibliothèques de lecture publique pour appréhender la diversité de la bande dessinée?, mémoire de master, Université Poitiers, Sciences Humaines et Arts, 2013.
RANNOU Maël (dir.), Bande Dessinée en bibliothèque, Paris, Cercle de la librairie, « Bibliothèques », 2018.
REVEILLAC Delphine, La Bande dessinée en bibliothèque municipale : le cas de Grenoble, mémoire de master 2, Grenoble, Université Stendhal Grenoble III, 2011.
RIBEYRE Dominique, La Bande Dessinée dans les bibliothèques publiques, mémoire, ENSIB, 1986.
RIOT Mathilde, La Bande dessinée en bibliothèque d’enseignement supérieur, Mémoire de master, Enssib, 2013.
TORRENS Antoine, « La bande dessinée en bibliothèque. La constitution d’une géographie inconsciente », Le Débat n° 195, juin 2017, pp. 44-50.

Crédit bandeau : Une des premières pages d’Avec le bibliobus, découvrez la bande dessinée (1976), où le collègue anonyme s’est fait plaisir !

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Des préfaces

Au rang de mes publications, on trouve des articles, des scénarios, des textes de catalogues, des entretiens et… des préfaces. Parfois il s’agit de quasi-articles, pour des éditions patrimoniales, parfois il s’agit plutôt de textes brefs faisant appel à moi comme une figure d’autorité externe, un rôle qui s’était accentué quand j’étais en poste à la Cité internationale de la bande dessinée, montrant bien comment l’institution avait pris sa place là-dedans. Je ne suis pas encore un préfacier permanent, mais il commence à en y avoir, voici donc.

On peut les classer dans différentes catégories, beaucoup sont liées à ma collaboration avec les Cahiers de la BD et les sociétés liées, via à Vincent Bernière, qui était soit prestataire, soit éditeur. Toutefois, à partir de 2021, outre le fait que j’écrivais plus souvent des critiques et articles, j’ai pris un poste à symbole, celui de directeur des bibliothèques de la Cité internationale de la BD et de l’image. Et de fait, j’ai vu que je devenais aussi une genre de référence par la fonction. Cela n’a pas duré beaucoup, mais on m’a en partie demandé des préfaces à ce moment-là (et des textes de catalogues pour la Cité, mais c’est plus attendu, et les catalogues seront un futur article), et je pense que ce poste a beaucoup joué dans une réception de ma signature comme une « autorité ». Bon je dis ça et clairement, les préfaces réalisées sont très liées à un travail dans le fanzinat, le patrimoine, etc. mais bon. J’ai senti ça dans des échanges qui ne s’incarnent pas forcément ici, tout n’ayant pas donné de suite.

Valentin le vagabondl’intégrale T1&2, de Jean Tabary, René Goscinny (+ Pierre Tabary et Fred), chez IMAV, éditeur spécialisé dans l’œuvre de Goscinny, 2018-2019.
Les deux volumes de cette série sympathique, mais mineure d’un dessinateur que j’aime beaucoup (ha, Totoche, Corinne et Jeannot, Grabadu et Gabaliouchtou !) sont sortis en 2018 et 2019. J’étais vraiment très heureux de travailler dessus même si j’étais prestataire d’un prestataire et que je n’ai eu aucun lien avec l’édition. Il y a toutefois plein de documents inédits et des choses rigolotes redécouvertes sur des pages remontées pour les albums, etc. La bizarrerie est que c’est cosigné, la commande ayant été fait à l’autre rédacteur, j’ai pourtant tout écrit et fais les recherches.

Les Bidochons intégrale T1, de Christian Binet, AUDIE, 2019.
Pour le même travail de prestation/packaging j’ai écrit des dossiers complétant des collections Hachette kiosque type « premier n° à 1,99€, deuxième à 2,99€ etc. ». J’ai notamment fait ça pour Bibi Fricotin ou une collection de BD érotique, grâce à Vincent Bernières. Dans les deux cas, c’était vraiment du contrat alimentaire sans intérêt (si ce n’est l’argent, qui est utile). Là il m’avait proposé un truc chouette, le projet d’une collection autour des Bidochon, de Binet, une série que j’aime bien et avec une certaine inventivité au fil des tomes. Il s’avère que quand Hachette veut lancer ce genre de truc il sort d’abord la série dans quelques endroits identifiés, sur quatre numéros, pour tester si ça marche. C’est ce qui a été fait ici et ça n’a malheureusement pas marché (mais un ami vivant à Jarnac a pu trouver ce collector, car c’est un de ces endroits tests, ce qui est mystérieux). Dommage, car c’était chouette, mais le contenu de plusieurs dossiers a été réemployé pour cette intégrale – ma seule collaboration, indirecte encore une fois, avec Fluide Glacial.

Squeak the mouse, de Massimo Mattioli, Revival, 2020.
J’ai beaucoup travaillé sur Pif gadget, j’étais un jour avec l’éditeur de ce livre et il me parlait de ses projets. Il m’apprend alors qu’il va sortir ce recueil d’une série ultra trash et culte, avec un troisième tome inédit en France. Il voit peu le lien avec mon travail mais je lui signale que Mattioli c’était aussi un auteur de Pif avec le merveilleux M le magicien. Il a aussi fait pas mal de BD expérimentales importantes, ou underground, et c’est quand même un peu mon monde. J’ai donc écrit la préface, en un temps record, mais j’en suis très content même si je regrette que la charte graphique rejette toutes illustrations des préfaces, il y avait de chouettes trucs. Je suis aussi très fier du titre à mot-valise : « Massimo Mattioli, de la presse jeunesse communiste au space opera pornorifique »
Anecdote entre le sourire et le triste : alors que je découvrais le projet, l’éditeur me dit qu’il veut inviter Mattioli au FIBD pour accompagner le livre, mais il était mort quelques jours avant (et ça avait fait peu de bruit), je lui ai donc dit, et il a soudain compris pourquoi il ne répondait plus à ses courriels.

Semi science-fiction, de Léa Murawiec, Flǔtiste, 2023.
C’est d’un post du tumblr 1fanzineparjour que vient le titre de ce livre, reprenant notamment le fanzine que je chroniquais alors. J’avais pour être honnête un peu oublié ce mot, que l’autrice a rappelé lors d’un entretien. J’ai été touché de ça et voilà, parfois j’ai des fulgurances ! Lorsque Léa a décidé de réunir plusieurs de ses zines d’Inktober, Antoine m’a proposé d’écrire une préface, et j’avoue ne pas l’avoir vu venir. Elle est assez courte, donc je ne peux pas y raconter grand chose, mais je suis content d’y faire le lien entre Le Grand vide, qui a eu un grand succès (un jour, en salon ils ont marqué Le Grand Vide 2 en bandeau dessus les coquins), cette série de dessins narratifs qui ont en partie servie de travaux préparatoires (et qui, à mes yeux, forment une bande dessinée) et d’autres travaux de Léa, comme Fabuleux vaisseaux ou le super strip « La science-fiction est toujours décevante », qu’elle a longtemps publié dans Biscoto. J’ai été vraiment honoré qu’on me demande de faire ça, c’est un chouette livre, procurez-le vous !

Anthologie Imagex, d’Imagex, The Hoochie Coochie, 2023.
On est ici sur un projet qui vient de loin. J’ai été frappé par Colonie de vacanses puis Mauvais rêves, d’Imagex, deux albums mystérieux, une carrière de météore, de quelques années. Par hasard, j’ai pu entrer en contact avec lui près de 20 ans après la fin de sa carrière. Il m’a passé des inédits, des BDs rares, pour Gorgonzola, et m’a autorisé à republier ses travaux sauf que… cela nécessitait des moyens techniques et de distribution que je n’avais pas. Par des hasards de rencontres, d’échanges, The Hoochie Coochie a pu le faire. Restaurées avec soin, les planches de cette anthologie ont valu à l’album une sélection au Prix patrimoine. C’était vraiment un aboutissement essentiel, issu du fanzinat, très accroché à cette notion de patrimoine contemporain que je défends dans mes écrits. J’étais bien content et ai donc écrit un texte brassant la carrière mystérieuse de cette auteur, « Les Fulgurances d’Imagex ». Bon, ce n’est pas une préface, plutôt une postface, mais ne pinaillons pas. Pour rappel, j’ai publié ici une bibliographie d’Imagex et ici un texte sur ses peintures.

Horace, cheval de l’ouest T1, de Jean-Claude Poirier, 2024.
On est presque sur le même type de projet, si ce n’est qu’il n’est pas en direct avec l’auteur, JC Poirier étant décédé bien avant ma naissance. Mais donc Pif gadget, et cet auteur dans Pif gadget, à qui j’avais consacré le dossier du Gorgonzola n° 19 et dont j’avais constaté l’influence majeure sur des auteurs et autrices très différents. Rééditer ses séries (et d’abord Supermatou) est un vieux serpent de mer des forums BDs, des éditions pirates existent… Avec le Gorgonzola j’ai pu prendre contact avec sa fille, qui m’avait d’ailleurs autorisé à republier dans le n° 22 une BD adulte méconnue de Poirier. Une certaine confiance a existé même si, comme et même encore plus qu’avec Imagex, je n’avais pas du tout les reins pour porter une réédition.
Revival s’étant lancé notamment sur le volet patrimonial, j’ai pu faire l’entremetteur et force est de constater qu’après des décennies d’absence, JC Poirier a retrouvé le chemin des librairies : deux tomes de Supermatou et bientôt deux d’Horace, cheval de l’Ouest, un peu moins connu, mais que je préfère, sans doute parce qu’un peu plus expérimentale, et parce qu’elle était dans les Pif que je lisais enfant, tout simplement. Restaurées et recolorisées par Bilitis Poirier, chacune des planches apparaît presque comme inédite. J’ai pu de mon côté choisir quel volume préfacer et ait bien sûr choisi le premier Horace. C’est un texte dont je suis bien content et qui est particulièrement émouvant puisque, comme l’anthologie Imagex, du fanzine aboutissait quelque chose. Par la suite, d’autres surprises eurent lieu, notamment quand j’ai découvert que Bilitis était une proche d’Alizée, dont elle a fait le maquillage et les making-of durant des années.

Henri Guédon : Histoires imaginaires d’un peintre réel, de Jack Exily, Networksis, 2024.
L’ami Jack Exily est un vieux compagnon de route de Gorgonzola, c’est dans les numéros 23, 24 et 25 que nous avons publié les trois récits qui forment ce livre. Henri Guédon, peintre star de la créolité, star mais en fait encore assez méconnu, inventeur du zouk, musicien autant que dessinateur, est ici brossé dans un biopic qui se veut tout sauf exact, mais semblant parfaitement cohérent avec l’esprit du portraitisé. C’est très étrange comme ouvrage, Exily est à l’équilibre entre du brillant et du grotesque, le brillant l’emporte largement. C’est ce que je dis dans le court texte qu’il m’a demandé, faisant ainsi le lien avec la prépublication. Cela m’évoque un vieux commentaire de L.L. de Mars sur Du9 lorsqu’il évoquait le Gorgonzola n° 24 : « des petites perles (le Jack Exily, qui devrait avoir tout pour m’agacer par ses connotations poétiques déroule un mode prosodique qui claudique, bizarre, hypnotique, à la fois artificiel et spontané) ». N’hésitez pas à le commander, ça vaut le coup.

303 hors-série : L’appel du fleuve – La Loire en bande dessinée, avril 2025.
La revue 303 a été créée il y a plus de 40 ans par le Conseil régional des Pays de la Loire (le nom est l’addition des numéros des 5 départements de la région) afin de valoriser et faire connaître l’art visuel de la région. Cette revue a installé au fil du temps d’épaisses livraisons mettant en avant aussi bien le patrimoine bâti que l’art contemporain, et a consacré en 2025 un numéro à l’image du fleuve à travers la bande dessinée, appelant pour cela des auteurices de la Région. La proposition est variée : souvenirs, reportages, fiction pure (voir science-fiction), il y a différents modèles de récits, et chacune des BD est suivie d’un court texte d’un autre auteur, en rebond.
On m’a contacté comme spécialiste de la bande dessinée originaire de la région (la Mayenne ! 53 est le terter) afin d’écrire l’introduction, seul texte un peu long de l’ensemble. La commande était d’étudier la notion de paysage/représentation des rivières en BD, tout en faisant le lien avec les différents récits. La difficulté pour moi n’était pas tant de parler de BD que de géographie, de penser l’espace… J’avais spontanément en tête Histoire d’une rivière, texte fondateur d’Élisée Reclus (aussi pensé comme un précurseur de l’écologie politique), mais voilà, j’ai lu d’autres choses, brassé large, et tenté une sorte de typologie des approches, en y classant les différentes histoires. C’est un texte écrit dans un drôle de contexte puisque je l’ai rendu la veille de l’accouchement de ma femme, j’étais à la maternité aux premières relectures – la revue a eu la gentillesse de me délester du travail iconographique. Je suis aussi assez fier de ce texte – en fait, les préfaces, c’est pas mal, on peut y dire des choses ! – qui m’a appris pas mal à le rédigeant et m’a donné l’occasion de conjuguer bande dessinée et écologie. Coquetterie, j’ai appelé le texte « Histoire(s) d’un paysage », en pure référence à l’anarchiste-géographe suscité.
Alors que le numéro allait sortir, la présidente de la Région annonçait ses coupes massives dans le budget culture. 303 était directement ciblé : 50 % en moins cette année là, plus de subvention du tout l’année suivante, pour une revue dont l’origine est bien la région. C’est pour le moins difficile alors n’hésitez donc pas à acheter directement le numéro sur leur site, et d’autres !

Et, je l’avais déjà postée ici, cette préface non publiée à un album réalisé par un ancien collègue.

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Index de mes articles universitaires point 6 sur ?

Comme régulièrement, index des articles, recension, entretiens réalisés dans un cadre universitaire, ou au moins proche. J’ai encore quelques articles en attente, puis il y aura un creux, lié à la parentalité et à la fin de thèse (deux sous parties encore !).

Comme à chaque fois, cliquer sur les images amène sur l’article et j’ai tenté d’organiser par type d’articles (articles, entretien, recensions). Et enfin, tout n’est certes pas absolument universitaire, mais ça me semble réunir les travaux ayant cette ambition/exigence.

D’abord j’ai un peu honte, j’avais zappé dans mes précédents index (et c’est quelque chose pour un livre parle d’invisibilisation) la parution au printemps 2024 de l’importante somme Construire un Matrimoine de la BD – Créations, mobilisations et transmissions des femmes dans le neuvième art, en Europe et en Amérique, dirigée par Marys Renné Hertiman et Camille de Singly et publié aux Presses du réel/ArTec. J’y ai écrit un article appelé « D’Yvette Lapointe à Zviane, les femmes dans la création de bande dessinée au Québec ». La bonne nouvelle est que récemment le livre a été mis en accès libre sur openedition ! Vous pouvez donc le retrouver en cliquant sur l’image, mon article comme tout le reste :

Vient ensuite un article qui a mis du temps à sortir, ça faisait longtemps que je voulais étudier un peu plus Yvan Pommaux (j’avais déjà parlé un peu Angelot du Lac dans mon article sur Bayard), notamment la série des John Chatterton, que j’ai lu enfant pour le premier tome, et dont je n’ai découvert les deux autres volumes que bien plus tard. La rencontre avec une collègue spécialiste du conte lors de mes études à l’INET a permis à cet article de naître. C’est avec beaucoup de plaisir que je cosigne donc avec Eva Barcelo-Hermant  « John Chatterton : un chat noir dans le labyrinthe des contes et des éditions » pour Publije, revue de l’Université du Mans spécialisée en littérature jeunesse, université où nous avons justement tous les deux fait notre master sur ces sujets.

Dernier article universitaire strictement, un extrait de ma thèse à vrai dire, « Julie Doucet, traverser les frontières » est paru dans l’International Journal of Canadian Studies/Revue internationale d’études canadiennes vol. 63 en cette fin d’année. J’y explore l’énorme influence de l’autrice dans le champ francophone/anglophone, à travers les éditions, rééditions, réceptions, de son travail, et quelques planches iconiques dont le sens semble étonnament transporté au fil des éditions. Au-delà de ça, ça me fait toujours plaisir d’être publié dans des revues canadiennes, celle-ci est publiée par les Presses universitaires de l’Université de Toronto.

Sinon, j’avais publié chez l’Égouttoir il y a plusieurs années une version corrigée et illustrée d’un travail définitionnel du fanzine. Voici la présentation qu’en faisait l’éditeur :
« Passionné par les fanzines, auxquels il a consacré de nombreux textes depuis ses années de lycée, Maël Rannou a finit par se lasser qu’on lui demande : « « « Mais un fanzine, c’est quoi ? » » ».
Afin de ne pas répéter toujours la même chose, il propose avec Définir le fanzine un bornage historique et plusieurs définitions évolutives de ce concept qui n’a cessé d’évoluer et de couvrir des réalités mouvantes.
Afin de montrer cette diversité et d’ouvrir le débat, Lénon, Alex Baladi, El Chico Solo, Léa Murawiec, Jean-Paul Jennequin, Caro Caron et Jean Bourguignon, tous et toutes actifs dans le fanzinat de bande dessinée, ont apporté en BD ou dessin leur propose vision du fanzine. »
Ce fut un best-seller, à l’échelle du fanzinat, avec un deuxième tirage (ça fait 300 en tout, calmons-nous) et comme il est épuisé et que je ne fais plus trop de salons, j’ai voulu le rendre dispo. On le trouve donc sur HAL, archives ouvertes de la recherche en France, en fichiers imprimables !


Si là aussi ce n’est pas directement universitaire, j’ai écrit l’introduction du hors-série de la belle revue 303 « L’Appel du fleuve, la Loire en bande dessinée ». Cette revue consacrée à l’art visuel en Pays de la Loire, dont l’existence risque d’être frontalement menacée par la casse culturelle de la présidente de région, propose ici de nombreuses visions de la Loire en bande dessinée, de l’évocation intime au reportage en passant par l’histoire sociale, le futurisme ou l’onirique. Mon texte tente une typologie d’approches du paysage en bande dessinée, mêlant les récits du numéro et d’autres publications, convoquant Élisée Reclus ou Catherine le Forestier. Un texte écrit pile avant d’aller à la maternité, c’est Histoire(s) d’un paysage.


Du côté des entretiens, deux ont été publiés, tous deux réalisés avec ma camarade Irène Le Roy Ladurie. Le premier poursuit mes travaux réguliers sur Pif gadget, en donnant la parole à Claude Bardavid, dernier rédacteur en chef du magazine « canal historique », à l’occasion d’un dossier de Comicalités consacré aux magazines de bande dessinée en France. Titré d’une joyeuse citation, on peut lire « « On n’avait pas l’impression de travailler à la mine » » en cliquant sur l’image :


L’autre a été réalisé il y a plusieurs années et a mis son temps pour arriver en ligne, un dialogue avec Tony Neveux, typographe qui a tenté de créer une spécificité sur la typographie d’auteurices de bande dessinée. Pensé pour un dossier sur la lettre dans la bande dessinée de la revue neuvième art, l’entretien a fini par sortir isolément. « Pour moi, une lettre est une image » est à lire ici :


Si le site n’est pas strictement universitaire, son exigence et son sérieux me semblent tout aussi proches. J’ai donc le plaisir de ponctuellement écrire des recensions pour Nonfiction. La première en mars derniers « L’écocritique, un concept pour lier environnement et littérature », à propos de L’Écocritique. Repenser l’environnement au prisme de la littérature (Sophie Chiari, 2024), l’autre tout récemment « Les éditeurs sous toutes les coutures », à propos d’Être éditeur. Histoire, discours, imaginaires, d’Anthony Glinoer (L’Échappée, 2024). Deux livres verts dans les deux cas, aux sujets bien distincts, les deux sont toutefois de belles réussites :


Et enfin, c’est sur neuvième art, mais vraiment très bref, j’avais écrit un panneau de l’exposition MédiaBD consacrée à l’histoire de la bédéphilie. Ce n’est qu’à peine 2000 signes, et je concluais avec « Le fanzinat bédéphile aujourd’hui ». Pour la peine je mets le lien direct juste avant mais ici un lien vers toute l’exposition, car c’est intéressant et ça va vite à lire :

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Chronique non publiée : L’érudit de la BD et le roman graphique

Au lancement des Cahiers de la BD, l’éditeur avait proposé une chronique signée par divers auteurs sous le pseudo gag de Daniel Merveille (en hommage à Daniel Vermeille, auteur culte de Rock & Folk). Il s’agissait d’une sorte d’Oncle Paul racontant les concept avec un ton bonhomme débutant toujours par « Bonjour les enfants » tout en parlant quand même du sujet, le tout en 3000 signes. On y a écrit sur le festival d’Angoulême, les bulles… j’avais fait celui-ci sur le roman graphique, jamais publié, il y a bien cinq ans, j’ai essayé de la remettre dans la revue, puisqu’elle avait été oublié, mais il semble qu’elle soit refusé.

Il s’avère que j’aime bien ce que j’y raconte, même si c’est bref et ne casse pas trois pattes à un canard, moi qui ai dans mes cours sur la BD un slide nommé « Contre le roman graphique ».

Pour une version un peu déployée de ma pensée sur le sujet, réactivée avec énervement par cet article récent d’Inter, on peut lire mon article « Le roman graphique en bibliothèque, une erreur indispensable ? » paru dans la revue Meridian Critic.

Le roman graphique c’est quoi au juste ?

Bonjour les enfants. J’ai appris que certains d’entre vous ne voulaient plus m’entendre parler de BD, car ils préfèrent le « roman graphique ». Pourquoi pas, mais êtes-vous au moins d’accord entre vous sur ce que ça veut dire ?

Le premier à utiliser ce terme est le critique américain Richard Kyle en 1964. Son but est purement marketing : il n’y a pas de tables sur la BD dans les librairies et il veut être mis avec les essais littéraires. Personne ne note vraiment l’usage et c’est Will Eisner qui le popularise en 1978 avec A Contract with God. Le dessinateur du Spirit veut se démarquer de ses anciens travaux et publie quatre nouvelles dessinées : des sujets lourds, une ambition narrative, un format entre comics et littérature, du noir et blanc. Voilà pour lui la définition du roman graphique.

L’expression « roman graphique » fonctionne très bien, même Marvel la reprend quelques années plus tard pour des aventures vendues plus cher, avec des super-héros et en couleur, retenant surtout l’idée de cibler un public différent. Le terme « roman » permet de se distinguer de la masse, de montrer qu’on ne lit pas n’importe quoi, surtout à ceux qui n’y connaissent rien. Sur le fond, la chose est plus discutable. Après tout dès 1918 le Belge Frans Masereel publie un « roman en gravures ». Il y a un siècle ! Rodolphe Töppfer, lui, faisait de la « littérature en estampe ». Et le genre est monnaie courante jusqu’au 50’s sans que personne ne s’en émeuve. Il s’agit alors de rendre accessible des idées politiques, avec des images et impressions venues de l’affiche.

En France, au début des 80’s, Casterman publie sa collection « Les Romans (À suivre…) » en parallèle de sa revue, l’idée est surtout de publier des récits assez longs, sortant du cadre de l’album, et d’accompagner les éditions de Pratt. Il y a bien une ambition littéraire dans les premiers numéros, mais cela devient vite flou. Flammarion lance une collection « Roman BD », mais il s’agit juste de petit format quand les Humano mettent le même terme pour leur collection de one-shot. Autant dire qu’entre le roman graphique de superhéros, les pré-graphic novel et ça, Eisner y perdrait son américain.

Le terme s’installe ainsi, présent sans s’imposer. Après la vague de (re)découverte de la BD alternative au début des 90’s des éditeurs relancent des collections Roman BD, désignant cette fois a priori plutôt un format : entre l’album et le poche, 150 pages minimums, en noir et blanc. De quoi signer les plus porteurs des auteurs alternatifs. Mais le manga arrive et bouscule tout, avec une pagination qui y ressemble, mais en moins cher. D’autres, comme Taniguichi, sont publiés aux côtés des volumineux « bédéromans ». Le terme ne désigne alors finalement qu’un format. Mais voilà que certains y présentent 200 pages de gags en couleurs. Et que l’on cartonne la couverture.

Une chose est certaine, le roman graphique ce n’est pas tout et n’importe quoi. C’est une chose précise. Reste à savoir laquelle.

Illus d’article : le rayon BD et romans graphiques de la librairie Antiope d’Annecy

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Anthropologie de la mémoire : le monument aux Bretons de Conlie, une reconnaissance mémorielle paradoxale

Ce site n’a vocation à publier tout mes devoirs, mais ceux qui me connaissent savent que j’ai une curieuse lubie d’accumulation de diplômes universitaires*. Je vous jure que s’il y a sans doute un complexe derrière ça, la première raison est une passion d’apprendre. L’an dernier, en parallèle de l’Institut national d’études territoriales, j’ai donc suivi la licence en sciences sociales mention ethnologie de l’Université de Strasbourg. J’y ai eu des cours passionants sur des sujets divers : des cours de fondamentaux de l’anthropologie, de la sociologie de la famille, de l’anthropologie urbaine, de la nature, des cultures matérielles (j’en ai déjà un peu parlé) et, donc, de l’anthropologie de la mémoire. C’était passionnant sans être mon cours favoris mais le devoir m’a intéressé, j’explorais quelque chose de très intime et j’ai eu une très bonne note. Mais au-delà de ça ça m’a vraiment touché de creuser ce sujet des bretons, liés à l’histoire familiale, à la poésie, etc. Voici donc ce texte, calibré pour être un devoir mais qui, j’espère, se lira bien.

Le monument aux Bretons de Conlie,
une reconnaissance mémorielle paradoxale

Pour cette étude j’ai choisi un lieu de mémoire situé à Conlie, en Sarthe, à proximité de la frontière mayennaise. C’est un lieu de mémoire dont l’existence me semblait évidente, puis dont j’ai appris par plusieurs camarades de lycée résidant à proximité qu’ils n’en avaient jamais entendu parler. J’ai finalement appris qu’il existait bien, grâce à un retraité bénévole dans un musée associatif de la ville consacré à la Seconde Guerre mondiale. Il le connaissait par son intérêt pour l’histoire locale, bien que non lié période : il s’agit d’un monument assez sobre consacré aux Bretons morts en 1870-1871 dans le camp de la Jaunelière. Afin d’étudier ce monument je ferai d’abord un rapide récit de la manière dont je l’ai découvert, expliquant le pourquoi de ma surprise, puis décrirait le contexte de l’événement mis en lumière par le monument, puis le décrirait en rappelant l’histoire de sa construction, avant de parler de la vie mémorielle qui se déploie autour de son sujet. Constamment, cette histoire bute sur des paradoxes mémoriels, qui m’ont paru l’intérêt central de ce travail.

Il me paraît important de revenir brièvement sur ce qui m’a entraîné vers ce monument, cela faisant à mon sens pleinement partie de l’ethnographie mémorielle. Fils d’une famille implantée historiquement en Bretagne, j’ai été élevé avec une certaine proximité envers la Bretagne, tout en vivant en Mayenne. Dans mon adolescence, alors que j’allais vers Conlie, mon grand-père (né en 1929) m’a alors évoqué l’endroit où « les bretons ont été trahis », j’ai entendu plusieurs fois cela évoquer ensuite par mon père. Je fus surpris de voir que nous parlions alors d’un événement de la guerre de 1870, à laquelle aucune personne réellement proche de mon grand-père n’avait pu participer. Il utilisait pourtant directement ces termes, alors même qu’il était au cours de sa vie devenu fonctionnaire puis élu local, porteur du drapeau français en plus de sa bretonnité. Découvrant dans les mêmes années la poésie de Tristan Corbières, j’ai lu avec attention le poème « La Pastorale de Conlie », long et déchirant récit de Bretons traversant leur pays pour aller à la guerre sous ordre de la France, mais parqué dans un camp en cours de route et mourants à petit feu. Réalisé quelques années après les faits, j’y ressentais la même colère que celle de mon grand-père, celle que Benjamin Stora évoque en parlant d’« archive incandescente » (Brun, Ledoux et Mesnard, 2021) et il me semblait donc évident que pour les centaines de Bretons morts ici, un monument devait être construit et l’histoire bien connue. J’ai donc été surpris de voir qu’assez peu, et que le monument était certes haut, mais d’une réalisation assez simple, la sculpture étant par ailleurs posée au bord d’une route départementale. Cela a par ailleurs révélé un conflit de mémoires sur le nombre de morts, sur la réalité de la volonté d’éliminer les Bretons, ce que pouvait laisser penser ma famille ou Corbières qui insistent sur le mépris et la déloyauté, sur la présence de fosses communes, imaginées par des illustrations réalisées par Jean Moulin en 1930 mais a priori non attestées historiquement. Factuellement il y a bien eu en 1870 mobilisation d’une « Armée de Bretagne » pour lutter contre la Prusse, seulement pour des raisons en partie logistiques elle dut s’arrêter à Conlie. Entre les conditions climatiques, les maladies, le sentiment de déracinement et d’abandon d’une population ne parlant pas français, ce qui créera des problèmes de compréhension avec le commandement, le manque d’armes et de consignes, l’armée se retrouve parquée plus d’un an et plus d’une centaine de ses membres meurent. Corbières ou Le Mercier, dans des textes publiés en 1873 et 1930, décriront un carnage voire une volonté manifeste de tuer les Bretons, ce qui est contesté par les historiens parlant plutôt d’un ensemble de mauvaise décision ou d’incompétence (Lagadec, 2021). Sur ce conflit potentiel, a priori, le monument ne dit d’ailleurs pas grand-chose.

C’est en effet en haut de la la butte de la Jaunelière, directement au bord au bord de la D 304, que se trouve le monument. Le lieu est celui du camp où les Bretons sont morts, mais il est peu visible, dans une petite route, moyennement indiquée (il existe quelques panneaux, dont un étrangement posé, à quelques mètres, semblant dire qu’on peut ne pas le voir), et avec un espace d’accueil assez faible. Faute d’avoir pris une photo de ce sens, la photo proposée par Google est assez marquante :


Il s’agit donc d’un endroit de passage, même faible, absolument pas aménagé, et peu propice aux cérémonies. S’il est lié à un endroit précis, la modestie de l’ensemble frappe, nous sommes dans la quasi-opposition avec un lieu habité, négocié avec son environnement, puis mémorialisé tel que décrit par exemple dans le cas de Drancy (Lefeuvre, 2021). Ici, l’invisibilisation est quasi automatique, il n’y a rien à masquer ou détruire, mais il se pose les mêmes questions de révélation puisque rien ne laisse plus penser qu’il y a eu un camp. Entre une route et des bosquets, il faut aller le chercher pour le trouver et sa forme est en elle-même relativement sobre. Il est facile d’imaginer la difficulté des médiations historiques possibles, qui ne peuvent se fonder que sur de longues descriptions, rien n’étant plus visible. Il s’agit donc en érigeant un monument de lutter contre l’oubli tout en honorant, puisqu’aucune trace n’est manifeste. Plus précisément, il ne s’agit pas tant de garder mémoire de l’évènement mais bien du lieu, car il existe dans le cimetière de Conlie une « Croix des Bretons », nettement plus imposante, entretenue par le Souvenir français et érigée dès 1873. Cette croix rendant hommage aux Bretons morts pour la France est érigée suite à une souscription, le christ est taillé en Bretagne et la pierre en marbre de Bretagne (Dehayes de Marcere, 1878), la plaque indique que le monument est « ÉLEVÉ A LA MÉMOIRE DES MOBILISÉS BRETONS DÉCÉDÉS AU CAMP DE CONLIE ».

Quand cette antériorité m’est apparue, j’ai imaginé que le « Monument aux Bretons » érigé en 1913 prenait la suite de ces mobilisations, pour faire revivre le lieu de la mémoire humiliée et mobiliser sur une fibre bretonne qui existe toujours. C’est le premier paradoxe qui m’a frappé : le monument de 1913 est né après des enquêtes parlementaires et n’a a priori que peu intéressé les Bretons. Pour l’historien Yann Lagadec on assiste même à

une progressive « sarthisation » de la mémoire : c’est en Sarthe que les publications de récits, mémoires ou analyses se font, autour de la bataille du Mans entre autres, bien plus qu’en Bretagne. De manière très révélatrice, les cérémonies organisées à Conlie en mai 1913 à l’occasion de l’édification d’un monument commémoratif passent presque totalement inaperçues en Bretagne. (Lagadec, 2021)


En parallèle de cette commémoration, une médaille aux combattants du canton est remise. La face avant du monument, qui porte une assez classique gerbe de blé gravée et les dates d’existence du camp (somme toute brève : « Octobre 1870 -Janvier 1971 ») puis témoigne du souvenir de « L’Armée de Bretagne » et de la remise de médaille. Nous sommes donc dans un pur monument républicain, et assez peu breton, c’est pourtant lui qui me semble, par la force du lieu, investir plus fortement la mémoire. Postérieurement, le monument lui-même va subir des modifications qui témoignent d’un réinvestissement des mouvements autonomistes et indépendantistes Bretons vont réinvestir l’histoire des oubliés de Conlie puis, très récemment, d’une nouvelle approche de médiation croisée.

Lieu mémoriel « officiel » même si peu praticable, le « Monument aux Bretons » va petit à petit devenir le lieu de ce que Foucault appelle une « contre-mémoire ». Il y a là un autre paradoxe puisque, nous l’avons vu, le monument n’est pas né d’un engagement particulier des Bretons : il sera redécouvert au fil du xxe siècle, alors que le récit du camp de Conlie, appelé Kerfank (« le village de boue »), est mis en avant dans les récits nationalistes. Lagadec souligne d’ailleurs que bien d’autres épisodes, plus glorieux pour les Bretons, auraient pu être valorisé, mais que c’est bien ce récit de l’abandon par la France qui a été priorisé et a largement circulé, avec parfois des chiffres fantaisistes – plusieurs centaines de morts directs et indirects sont cependant attestés. Le monument porte la trace physique de cette évolution à partir de 1971, date du centenaire de l’installation du camp. C’est sous une forme atypique puisqu’une plaque noire est ajoutée, vissée dans la pierre, sur la face droite du monument. Contrairement à la face avant, rien n’indique l’origine de la plaque, je n’ai pas non plus pu retrouver à ce jour de document expliquant qui l’a financée et installée, mais cette plaque est en breton, ce qui indique tout de même quelque chose, et porte un texte étonnamment violent face au texte plus consensuel de la face avant. On y lit en effet ceci : « 1871 D’ar Vretoned trubardet Kerfank-Conlie, dalc’homp soñj 1971 » soit « 1871 Aux Bretons trahis au village de boue de Conlie. Souvenons-nous 1971 ». Il s’agit bien d’honorer ici les morts bretons, mais en désignant un coupable, ce qui est très différent d’un souvenir patriotique français. Cela arrive après des décennies d’écritures et de redécouvertes de l’événement, avec des livres à succès (Le Mercier, 1930), des textes militants dont, quelques années plus tard en 1978, une chanson du célèbre groupe Tri Yann, qui continue d’installer la trahison dans la mémoire collective bretonne. Il n’y a pas de traduction du texte à proximité du monument, ce texte en breton reste donc un témoignage pour initié dans un territoire où personne de le parle. Là aussi, en comparant au travail mémoriel du site de Drancy, je reste frappé par l’absence de médiation directe, d’explication d’un site déjà complexe, qui se complexifie avec cet ajout de strates mémorielles parfois concurrentielles.

Les médiations autour de ce monument témoignent aussi bien de cette « sarthisation » (en réalité plus proche du territoire de la communauté de commune que du département, en pure « histoire locale ») que d’une reprise par la bretonnité, une double approche qui reste relativement loin du souvenir national global. Ainsi, en 2015 un professeur d’histoire de collège constatant qu’« aucun élève de la 6e à la 3e n’avait entendu parler du camp de Conlie » (Ouest-France, 2015), décide d’investir ce sujet avec une classe. Après tout un cycle de travaux, ils ont créé une plaque de médiation expliquant l’histoire du camp, plaque installée au sein du collège pour que « tous les élèves qui passent par ce collège entendent parler de cette page tragique de l’histoire locale. » (Ibid.) Une action intéressante mais qui souligne l’absence de ce type de dispositif auprès du « Monument aux Bretons » et participe au fractionnement de la mémoire. Les médiations autour du Monument sont donc principalement de deux faits : celle d’un réinvestissement de nationalistes bretons (Le terme n’a pas de portée autre que descriptive, désignant des personnes se reconnaissant et revendiquant une nation bretonne) et des associations historiques locales. Ainsi, si je n’ai pu voir aucun de ces événements, certaines recherches en lignes font ressortir un rassemblement annuel de nationalistes bretons. De manière plus sure, des recherches indiquent des venues de groupes de militants bretons, notamment pour le centenaire, en association avec la mairie, ce qui crée une intéressante alliance de mémoires. Les associations historiques locales ont en effet un fort rôle et le Musée associatif Roger Bellon de la Seconde Guerre mondiale, même s’il ne porte pas du tout sur ce conflit, organise depuis 2012 des « Balade en histoire du camp des Bretons ». Réalisé par un « auteur en histoire locale » (titre donné par le guide lui-même, Les Alpes Mancelles, 2015), cette ballade mémorielle s’arrête devenant le monument, mais il n’est qu’une étape d’un parcours sur des terrains désormais vides mais visant à revivifier le souvenir de lieux absents, transformés, une sorte de parallèle modeste de ce que d’autres mémoriaux, comme celui de Drancy et ses guides professionnels, établissent. Je n’ai pu voir de ces ballades, qui restent rares dans l’année, mais la plaque y est sans doute traduite et contextualisée. Enfin, si la crise sanitaire a empêché les commémorations prévues en 2020 et 2021 pour les 150 ans du Camp, elles ont bien fini par avoir lieu, associant la mairie des associations bretonnes militantes. Par la suite, une association « Kerfank 1870 Conlie se souvient » a été créée à Conlie, dont les premières actions ont eu lieu pour les Journées du Patrimoine de 2023, soutenu par la mairie et le musée Roger Bellon, l’association a réalisé des visites en costumes et évocations du lieu. Le 11 novembre suivant, en parallèle donc des cérémonies militaires officielles, a finalement lieu la cérémonie des 150 ans, marquée par la présence d’élus locaux sarthois mais aussi par l’association nationaliste bretonne Koun Breizh, qui participe au cérémonies, dépose gerbes et drapeaux, fait jouer un bagad au pied du Monument et indique sur Facebook sa satisfaction d’avoir « noué des liens importants » (Voir par exemple ce post Facebook du 11 novembre 2023, consulté le 13/01/2024) avec les associations de la ville. Ici encore se retrouve cette curieuse mémoire croisée, qui scelle une alliance inattendue et témoigne d’une mémoire sans doute portée différemment selon les structures, aux objectifs pas forcément identiques, mais en lutte pour qu’une mémoire existe.

Constamment, ce Monument m’a amené vers des surprises, et à souligné des paradoxes : plusieurs monuments se partagent la mémoire, conflictuelle, celui qui marque le plus fortement le lieu historique est érigé en mémoire des soldats bretons par ceux que la mémoire bretonne accuse de traîtrise, il est finalement porté par les historiens locaux, avant d’être réinvesti par les nationalistes, physiquement avec une plaque mais aussi dans des éléments de culture populaire. Aujourd’hui, le Monument et la mémoire portée sont surtout saisis par des associations et institutions locales et des militants bretons, comme si ce Monument d’abord national vivait finalement dans des émanations différentes. Sans surprise, les cérémonies récentes sont d’ailleurs riches d’élus locaux, mais pas de représentants de l’État, comme si cette mémoire difficile pouvait se partager à une certaine échelle mais devait rester conflictuelle à une certaine strate. Des territoires « éloignés », perçus ou se vivant comme tels, peuvent ainsi s’allier pour leur histoire, subie dans les deux cas, Conlie n’ayant jamais demandé de camp. Ils font ainsi vivre un récit qui semble bien porter une « contre-mémoire », alors même que le Monument est né d’une manière tout ce qu’il y a de plus officielle et s’ancrant dans un « récit national » français bien différent.

Bibliographie/Sitographie
Alpes Mancelles (Les), « Histoire. “Balades en histoire” du camp des Bretons de 1870 », Les Alpes Mancelles libérées, 17 juillet 2015, en ligne : https://actu.fr/pays-de-la-loire/conlie_72089/hitoire-balades-en-histoire-du-camp-des-bretons-de-1870_10433230.html (consulté le 13/01/2024)
Anonyme, Site amateur « Le camp des mobilisés bretons de Conlie », en ligne : https://www.loire1870.fr/pages/pa_bret/camp.htm (consulté le 13/01/2024)
Bomben, Thierry et Cargouët Laurent, « France (Sarthe) CONLIE (72240) », Les monuments aux morts, France, Belgique, autres pays, Université de Lille, 2020, en ligne : https://monumentsmorts.univ-lille.fr/monument/72806/conlie-rueroute (consulté le 13/01/2024)
Catherine Brun, Sébastien Ledoux & Philippe Mesnard, « Benjamin Stora. Un Historien sur la ligne de crête », Mémoires en jeu, 2021, en ligne : https://www.memoires-en-jeu.com/video/benjamin-stora-un-historien-sur-la-ligne-de-crete (consulté le 13/01/2024)
Corbières, Tristan, « La Pastorale de Conlie », dans Les Amours Jaunes, Glady, 1873, p. 245-249, disponible en ligne https://fr.wikisource.org/wiki/La_Pastorale_de_Conlie (consulté le 13/01/2024)
Jézequel, Yves, « Le camp de Conlie, drame, ou cafouillage ? », Bécédia, novembre 2016, en ligne : https://bcd.bzh/becedia/fr/le-camp-de-conlie-drame-ou-cafouillage (consulté le 13/01/2024)
Lagadec, Yann, « Arthur de La Borderie, Conlie et la Bretagne (1870-2021) », Annales de Bretagne et des Pays de l’Ouest n° 28-4, 2021. DOI : https://doi.org/10.4000/abpo.7267
Lefeuvre, Annaïg, « In situ, c’est-à-dire en face : le camp de Drancy », Mémoires en jeu n° 3, 2017, p. 72-79.
Le Mercier d’Erm, Camille, L’étrange aventure de l’Armée de Bretagne, 1870-1871, Dinard, À l’enseigne de l’Hermine, 1937.
Le Meut, Christian, « Il y a 150 ans, l’affaire du camp des Bretons à Conlie (72) », Le Télégramme, 02 novembre 2020, en ligne : https://www.letelegramme.fr/toute-l-information-de-la-bretagne/il-y-a-150-ans-laffaire-du-camp-des-bretons-a-conlie-72-3718500.php (consulté le 13/01/2024)
Ouest-France, « Le camp des Bretons a son histoire retracée au collège », Ouest-France, 10 juillet 2015, en ligne : https://www.ouest-france.fr/pays-de-la-loire/conlie-72240/le-camp-des-bretons-son-histoire-retracee-au-college-3556070 (consulté le 13/01/2024)
Tri Yann, « Kerfanc, 1871 », Urba, Studio des Dames, 1878. Chanson écoutable en ligne : https://www.youtube.com/watch?v=eDxy4oWoSgY (consulté le 13/01/2024)

* Afin de le lister quelque part, pour les curieux, à ce jour j’ai un Brevet de technicien supérieur (Edition), trois licences (Sciences de l’information et de la commuication, parcours Métiers de l’édition, du commerce du livre et des bibliothèques / Droit, parcours administration publique / Sciences sociale, parcours ethnologie), deux master (Histoire et Sciences de l’information et de la communication, parcours Politique des bibliothèques et de la documentation), plus quelques trucs hors diplômes classiques comme mon Diplôme universitaire en droit de la propriété intellectuelle, deux programmes courts (9 ECTS chacun) en études québécoises et mon Certificat d’aptitude aux fonctions de conservateur territorial des bibliothèques. Et le doctorat ? Et bien on se demande pourquoi il a du retard… (si vous vous questionnez, oui, j’aimerai faire encore des formations : un master en lettre, compléter une année pleine en études québécoises, une licence en sciences politiques… peut être quelque chose en management, mais j’arrive au bout quand même).

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Lire Natacha en 2025

Je reprends ici à fin d’archivage ce texte paru sur Bodoï qui dépasse la simple chronique de l’album Chanson d’avril. J’ajouterai que si je ne le dis pas dans le texte, le fait que la mère de mes enfants s’appelle Natacha ajoute à ma tendresse.

Natacha n’est sans doute plus une série très populaire au sein de Spirou, malgré un film récent : il s’agit clairement d’une des dernières grandes incarnations des séries de Marcinelle par leur auteur original – on peut aussi penser à Yoko Tsuno ou aux Tuniques bleues. Le fait que Walthéry, connu pour avoir été un des plus jeunes membres du studio Peyo, termine avec Chanson d’avril un cycle de trois volumes hommage à Sirius, un auteur central mais globalement oublié du Spirou de son enfance, rajoute à l’étrangeté de la proposition dans un magazine paraissant en 2024.

Je l’avoue, j’ai un faible toutefois pour cette série. Pas tant pour Natacha qui, si elle a certes été une des premières figures d’héroïne franco-belge (suivie de très près par Yoko Tsuno, justement), reste une héroïne pensée par ou pour les hommes, ce qui est assez flagrant dans certaines pages, postures, et plus encore dans les dédicaces. Néanmoins, malgré cela, c’est un personnage qui a pu servir d’identificateur et qui rénovait un peu les pages du Spirou des années 1970.

Si cette série m’a particulièrement intrigué, c’est par la manière dont elle raconte une certaine histoire de cette bande dessinée franco-belge, dans une approche très foutraque. Créée avec Gos (du Scrameustache, aussi venu de chez Peyo), cette saga de 24 tome laissent place à une grande diversité de scénaristes, dans une temporalité étonnante. On y retrouve des figures majeures de Dupuis : Maurice Tillieux, Peyo, Raoul Cauvin (une seule fois, ce qui est étonnant vu sa place dans l’écosystème), Marc Wasterlain (qui participe parfois au dessin, comme Will sur un épisode ilien mémorable !). À leurs côtés, des scénaristes moins connus du grand public, mais qui ne surprendront pas quiconque a fréquenté les magazines et publications de cette période : Thierry Martens, Mythic, Stoquart et surtout Mittéï, un prolixe scénariste de la période dont les productions sont assez aléatoires, entre inventivité et tâcheron, et qui reprendra intégralement une autre série de Walthéry (Le P’tit bout d’chique). Enfin, à cette liste déjà importante, s’ajoutent des quasi-inconnus : un copain de service militaire fan de science-fiction dont il reprend une nouvelle (Étienne Borgers signe finalement trois albums) et même un fan qui lui propose un scénario qu’il adaptera dix ans plus tard (Guy d’Artet).

Ce mélange très ouvert a quelque de touchant, on y retrouve du fameux « artisanat » tant vanté mais rarement très conforme à la réalité. On voit aussi, au fil des ans, soudain paraître des albums d’auteurs morts depuis longtemps, comme lorsque que Walthéry dessine un inédit de son ami Peyo en 2004, douze ans après sa mort, expliquant n’avoir pu le faire avant. Un bazar assez joyeux, parfois franchement foutraque, mettant les personnages dans des situations et ambiances très différentes selon les auteurs : certains sont nettement plus ancrés dans le roman noir et l’enquête, d’autres dans l’aventure exotique, voire la bouffonnerie purement humoristique (la série reste toutefois toujours de l’aventure humoristique, semi-réaliste).

À ce titre, il y avait une certaine logique à le voir se lancer dans l’improbable projet d’un remake de L’Épervier bleu, série de Sirius publiée dans Spirou de 1942 à 1951, avant de faire un retour de 1973 à 1977. Cette série un peu oubliée est une vraie série d’aventure, rocambolesque, avec un grand A, des rebondissements improbables et un imaginaire technique débridé qui se fichaient un peu du réalisme. Le projet est sympathique, on l’attendait pour un album, finalement en deux parties, et en voici un troisième, qui peut se lire indépendamment et clôt apparemment cette série d’adaptations. On peut s’étonner qu’autant de tomes de Natacha, série qui n’en compte pas tant que ça, aient été consacrés à cette idée étrange, mais l’auteur avait sans doute un fort tribut artistique et amical à payer.

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Si sympathiques que soient le projet et la série, celle-ci date, et en se fusionnant à un récit des années 50, elle ne gagne guère en modernité. De fait, Walthéry ne fait pas que reprendre des trames – parfois très précisément, parfois avec plus de distance –, mais aussi des dialogues, et s’il veut remettre au goût du jour la série, il la remet au goût du jour avec son regard d’homme de 79 ans. À ce titre, si le dessin n’est pas aussi précis qu’il l’a pu l’être et qu’il ne manque pas de postures curieuses de Natacha, et que certaines images peuvent paraître datées, rien n’est comparable au dramatique Spirou et la gorgone bleue. Si un méchant paraît avoir des traits étonnamment sémitiques (ce qui n’aurait rien eu d’étonnant chez un élève de Peyo qui invoquerait alors Gargamel), il n’est d’une part pas si méchant et son dessin semble laisser penser qu’il s’agit d’un portrait de Wasterlain. Une jeune fille algérienne dont les traits ne sont pas caricaturaux accompagne d’ailleurs nos héros. Walthéry évite donc quelques écueils, mais au-delà de cela (qui est un minimum), peut-on vraiment lire Natacha au premier degré en 2025 ?

Vous l’aurez compris, il m’est difficile de répondre à cette question, et la cible n’est sans doute pas le plus grand public possible. Il reste qu’en lisant cet album comme un lecteur curieux, lecteur qui n’a pas lu les précédents d’ailleurs, on peut au moins constater qu’il est fluide et se tient bien en tome autonome. Le récit principal est franchement sans queue ni tête, mais cette acceptation de l’aventure pour l’aventure fait partie du deal, et l’on va donc voir une course contre des brigands de la mer au ciel, sur un gigantesque bunker volant où un savant fou (qui n’a pas mauvais fond) et un ancien nazi (qui est parfaitement nazi) sont associés. Sans surprise, ça ne peut pas bien tourner. Ce genre de scénario n’a plus vraiment cours aujourd’hui, mais après tout la base volante géante dans les films de divers Avengers n’est guère plus crédible, et l’on peut se laisser embarquer.

Le défaut principal de Chanson d’avril est sans doute lié au fait d’à tout prix vouloir en faire un Natacha, en reprenant un principe lancé dans L’Hôtesse et Monna Lisa (scénarisé par Mittéï en 1977) : Natacha a trouvé un carnet appartenant à sa grand-mère qui, hasard, fréquentait aussi le grand-père de Walter (son acolyte), et lit ses aventures. Si cela pouvait tenir dans l’aventure initiale de 22 pages pour un Spirou spécial rétro, le procédé paraît paresseux sur tout un album (et c’est ici le troisième). La séance de lecture est interrompue par une scène dans l’avion, running gag avec un passager alcoolique (par ailleurs autoportrait assumé de l’auteur plus jeune), qui n’a franchement aucun intérêt. Comme je le soulignais au début, la série est par nature très polymorphe, le mieux à faire semble donc de sauter ces séquences tentant artificiellement de les relier à un grand axe général flou. Ainsi, c’est en acceptant de lire ce Natacha en renonçant à ce qu’il en soit un qu’on peut en savourer la fraîcheur désuète, drôle d’oxymore pour un franchement étrange et plutôt agréable album.

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Index de mes articles universitaires, point 4 sur ?

Comme à chaque fois, cliquer sur les images amène sur l’article.

Lors du congrès 2022 de l’Association des bibliothécaires de France, le sociologue Denis Merklen (dont j’avais parlé ici) a réalisé une conférence d’ouverture qui a tapé dans l’œil des éditrices des Presses de l’enssib. Elles ont décidé d’appeler une dizaine de professionnels très divers – allant de grands pontes à des militants associatifs en passant par un collègue ayant posé une question lors de la conférence – afin de leur proposer de commenter et prolonger la réflexion de Merklen, dans une série de rebonds aux approches très diverses. Avec Stéphanie Khoury nous ne sommes pas de grands pontes, mais nous avons été contactés suite à la parution de notre opuscule, Les Bibliothèques de proximité (Presses universitaires Blaise-Pascal). Comme pour l’ouvrage, nous avons écrit à deux mains un texte nommé « Assumer la communauté », et tout est en accès libre sur openedition ici, avec la conférence inaugurale et ses exégèses et prolongements ! Pour notre part nous partons vraiment de quelques mots et d’une idée générale et glissons sur ses propos en le croisant avec d’autres (notamment un texte brillant de Cécile Boulaire) :


En tant que critique BD comme en tant que bibliothécaire, il arrive souvent que vienne la question du « roman graphique », terme qui m’énerve toujours un peu pour ce qu’il charrier souvent dans la bouche de celles et ceux qui l’utilisent : se distinguer de la bande dessinée, souvent en étant loin des intentions et du contexte originel du terme. Il reste que le terme a eu un succès marketing réel, et impose de s’adapter à cette réalité langagière pour, en tant que bibliothécaire, accueillir correctement et répondre aux demandes des personnes qui viennent régulièrement se renseigner auprès de nous. Alors le roman graphique en bibliothèques, qu’en faire ? Je tente de détricoter tout cela dans cet article pour la revue roumaine Meridian Critic, une revue de littérature consacrée au « roman graphique » justement, et se trouvant soudain avec un article de bibliothéconomie, qui m’a permis d’enfin poser cette réflexion qui me trotte depuis longtemps en tête.

Étant chercheur sur la bande dessinée, il y a une certaine logique à ce que je publie un jour dans Comicalités, et pourtant je ne l’avais toujours pas fait ! En réalité j’avais des articles en attente de parution depuis pas mal de temps, mais outre que j’étais très en retard sur certains articles il y a un temps normal de publication et, hasard de calendrier, deux papiers sont parus en quelques mois d’affilés ! Comme il y en a deux, je ne mets pas le logo mais un extrait d’image à cliquer.

J’ai ainsi participé au dossier « Dessins d’enfance dans la bande dessinée », auquel j’avais proposé un article un peu atypique puisque sans double aveugle puisque je revenais sur mes archives de « dessinateur de la famille » ou « artiste de la classe » qui, finalement, n’a pas vraiment continué. J’y montre un rapport aux codes de la bande dessinée (bulles, cases, séquences) même avant de savoir lire et, surtout, un rapport à la publication, en singeant les codes du magazine ou de l’album. Cela s’appelle « Bande-dessiner avant de savoir lire, une exploration d’archives personnelles », je suis très curieux de retours dessus, car l’intérêt ne me semblait pas évident mais, curieusement, il intrigue.

Le deuxième article est la version largement augmentée d’une communication tenue lors d’un colloque MédiaBD sur la bédéphilie sur la « bédéphilie en revue ». Il trouve désormais sa place dans le dossier permanent de Comicalités sur l’« Histoire et influence des pratiques bédéphiliques ». C’est un dossier passionnant dans son ensemble, sans surprise j’aime beaucoup ce sujet, j’y ai écrit un article très nerd que j’aime bien aussi, à savoir l’analyse de l’ensemble des chroniques « Et les fanzines ? » publiées dans Spirou de décembre 1972 à mars 1978. Il s’agit d’une section assez marginale, qui a connu à peine plus de 80 occurrences sur six années d’existence, dans un hebdomadaire, mais elle-même histoire du fandom, discussions entre fans, petites annonces, et laisse voir énormément de choses passionnantes. Au rang des choses intéressantes mises à jour : de futurs acteurs du milieu déjà visible, l’émergence d’un vocabulaire spécifique (avec par exemple des hésitations sur « fanzinothèque » ou « fanédithèque »), des échanges très marqués sur les questions de production matérielle, etc. Et je ne vous parle pas de cet hommage cherchant des auteurs japonais en 1973 ! (sans succès)

Après un article sur les fanzines dans les bibliothèques municipales, j’ai profité de ma formation d’élève conservateur territorial des bibliothèques et d’une journée d’étude que nous organisions avec nos collègues élèves conservateurices d’état sur la question de la précarité en bibliothèque pour réaliser avec Soizic Adam, Marie Denancé et Juliette Eyméoud cet entretien avec Alexandre Favereau-Abdallah, responsable des politiques de développement des publics et d’accueil des publics du champ social au service des bibliothèques et du livre de la Ville de Paris, publié par le Bulletin des bibliothèques de France en septembre.


Décidément toujours en lien avec l’Enssib, les Presses de l’école ont publié en septembre un ouvrage qui vient poursuivre et compléter le travail que j’avais entamé avec Bandes dessinées en bibliothèques (Cercle de la librairie, 2018). Dans ce premier ouvrage sur le sujet, Benjamin Carco avait rédigé plusieurs chapitres. Cette fois il dirige l’ouvrage Valoriser les bandes dessinées et les mangas en bibliothèque, dans la collection La Boîte à outils, et j’y ai écrit un chapitre nommé « Recommander des bandes dessinées en bibliothèque : prescrire et/ou ouvrir », qui a surtout pour objet de présenter différentes médiations atypiques ou originales autour de la bande dessinée. Le volume a l’air tout à fait passionnant, avec des données à jour, plus de place pour les bibliothèques universitaires et une très belle contribution graphique de Chloé Cruchaudet, entre autres.

Au rang moins purement utilitaire en terme de qualifications universitaires, mais toujours intéressants pour se forcer à des lectures fines d’ouvrages, j’ai aussi rédigé plusieurs recensions d’ouvrage ces derniers mois, pour des revues différentes. Les recensions sont aussi pour moi l’occasion de parfois, pas systématiquement loin de là mis parfois, sortir de la bande dessinée pour explorer d’autres champs : les fans studies il y a quelques temps (évoquées dans mon précédent post d’index universitaire), le livre d’occasion ici, etc.

J’ai donc publié quatre recensions ces derniers mois, la première dans Distances et médiations des savoirs, revue du CNED, à propos de Le livre d’occasion, sociologie d’un commerce en transition, de Vincent Chabault (Presses universitaires de Lyon). Ce sociologue du commerce clôt ainsi une série de recherches sur le commerce du livre :

Pour la Revue française des sciences de l’information et de la communication (ou j’ai projet de bientôt parler fanzine), j’ai rédigé une recension sur le catalogue de l’exposition sur La bande dessinée du réel : Une nouvelle forme de journalisme ?, de Florence Amsbeck & Christophe Cassiau-Haurie. Ce catalogue d’une exposition ayant eu lieu dans une bibliothèque (la BnU) synthétisait assez magiquement de cette étrange discipline qu’est l’infocom et dont dépendant les bibliothèques, le journalisme ou l’étude médiatique.

Et pour conclure, bande dessinée toujours, quand même oui je continue mes passions hein ^^, avec cette recension des actes du colloques À coups de cases et de bulles – Les violences faites aux femmes dans la bande dessinée, un ouvrage dirigé par rien moins que quatre personnes (Frédéric Chauvaud, Lydie Bodiou, Jean-Philippe Martin et Héloïse Morel) qui a l’avantage d’être aussi entièrement en ligne sur openédition ! Cette recension là est dans le dernier numéro de Questions de communications, revue à vocation interdisciplinaire et pluraliste du Centre de recherche sur les médiations de l’Université de Lorraine.

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Dossier Julie Doucet sur neuvième art

En 2022 neuvième art, revue en ligne de la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, me confiait la direction d’un dossier sur Julie Doucet. Je suis encore fort reconnaissant de la confiance des deux rédacteurs en chef (Irène Le Roy Ladurie et Sylvain Lesage) et nous l’avons lancé avec quelques articles. Ensuite, le principe est que les dossiers restent ouverts, et il y a bien des articles prévus.

Seulement, après changement de site, les dossiers ont disparu sous leur ancienne forme, ça reviendra sans doute, mais cela ne fonctionne pas pour le moment. Et les liens transmis jusqu’ici ont tous changé. Bref voici donc ici un endroit ou ce dossier apparaît dans son entièreté, et j’essaierai de le mettre à jour si jamais ça rechange… et quand de nouveaux articles paraîtront, car c’est prévu !

« J’ai trop besoin de toucher, de manipuler la matière, de remuer » – entretien avec Julie Doucet, par Maël Rannou, octobre 2022.
Afin de lancer le dossier, un long entretien réalisé avec l’autrice un mois plus tôt, dans son atelier de Montréal. L’occasion de revenir son ses premiers contacts avec la bande dessinée, son rapport au milieu, et son lien constat avec la création graphique et la publication.

« Une douceur charnelle de l’abondance », par Marie Bardiaux-Vaïente, octobre 2022.
Paru en regard de l’entretien, ce texte a une vocation généraliste sur l’œuvre de Doucet. L’idée était de demander à une chercheuse qui soit aussi une praticienne et une militante féministe de relire l’œuvre de bande dessinée de Doucet et d’en parler comme à une consœur tout en détaillant les point marquants dans ses divers regards.

« Rêver comme en plein jour : les nocturnaux graphiques de Julie Doucet », par Johanna Schipper, octobre 2022.
Johanna Schipper soutient sa thèse sur les récits de rêve en bande dessinée dans quelques mois. Il s’agit d’un genre auquel je suis assez peu réceptif, sauf justement chez Doucet et quelques autres (notamment Rachel Deville). C’est une part importante de l’œuvre de la québécoise, et le travail de recherche de Johanna tombait donc particulièrement bien.

« Allers et retours dans le fanzinat : de Dirty Plotte au Pantalitaire », par Izabeau Legendre, novembre 2022.
Contrairement à un propos régulièrement entendu, Julie Doucet a peut-être cessé la bande dessinée dans sa forme la plus classiquement entendue, mais n’a jamais rompu avec la narration graphique, très souvent appuyée d’une pratique d’impression, de reproduction, etc. Dans ce texte Izabeau Legendre, met la lumière sur les années de fanzinat de l’autrice après son « départ de la bande dessinée » de la fin des années 1990.

« L’Oie de Cravan, un éditeur qu’on n’attend pas », entretien avec Benoît Chaput, par Maël Rannou, janvier 2023.
Lors de mon séjour montréalais, sans penser à l’origine à ce dossier, j’avais rencontré l’éditeur de L’Oie de Cravan, éditeur de poésie montréalais qui a publié nombre de livres de Julie Doucet, sans limite de forme. Il publie aussi Obom, Gigi Perron ou Michel Hellman, en autres auteurices de bande dessinée. L’échange étant très intéressant et permettant d’embrasser cette question des frontières floues du travail de Doucet, il a logiquement trouvé sa place dans le dossier.

« An english lesson », par Jean-Philippe Martin, janvier 2023.
Une des classiques sections de la revue est la « planche commentée », à partir de collections du Musée de la bande dessinée, entité de la CIBDI. Le musée possède justement deux planches de la Grand Prix de la ville d’Angoulême 2022, un récit court intéressant à plusieurs titres. Outre qu’il provient de la période Dirty Plotte, sans doute la plus connue et incarnante dans la production de l’autrice, on y trouve aussi l’usage du collage, qui devient marquant dix ans plus tard quand elle s’éloigne de milieu de la bande dessinée, et une mise en scène de son « broken english ». Dans un pays bilingue où le français reste très minoritaire, sauf au Québec, elle rappelle ici combien, en naviguant constamment dans les deux zones linguistiques, elle est une des rares autrices de BD à parler aux « deux solitudes ». Le conseiller scientifique de la CIBDI à exploré ces deux belles pages dans une analyse détaillée, explorant les schémas narratifs et leur esthétique générale.

An english lesson page 1, octobre 1990.
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La BD québécoise au FIBD 2023 : Rencontre avec Julie Delporte, par Natacha Czornyj-Béhal

Le FIBD 2023 a été riche pour la bande dessinée québécoise, forcément puisque sa présidente était Julie Doucet. J’ai pu, à titre personnel, animer une rencontre avec elle, Obom, Marc Tessier, Siris et Julie Delporte, c’était particulièrement fort et émouvant. Mais le festival a accueilli nombre d’autres rencontres, parfois plus intimes dans leurs espaces, avec des autrices (en l’occurrence) plus émergentes. Travaillant pour la CIBDI je n’ai pas pu y assister mais Natacha Czornyj-Béhal, petite reportrice qui commence à être repérée dans les travées des festivals où nous nous promenons, les a pris en note. Et ces comptes-rendus me sont directement utiles pour ma thèse (dont la rédaction explique une relative absence ici), j’imagine sans mal qu’ils puissent l’être pour d’autres. Voici donc le premier, qui revient sur une rencontre avec Julie Delporte, dont j’ai déjà plusieurs fois parlé ici et dont je reparlerai sans nul doute encore ! Suivra un autre compte-rendu, avec Éloïse Marseille cette fois (publiée chez le même éditeur).

Un corps à soi.e

Entre 11h et 12h le vendredi 27 janvier 2023, 2ème jour de la 50e édition du FIBD, la déjà si fiévreuse ville d’Angoulême accueillait au Forum ouvert et vibrant du Nouveau Monde l’autrice Julie Delporte, artiste française expatriée au Québec aux expressions multidisciplinaires.

Cette rencontre, animée par François Poudevigne, était en particulier tournée vers le dernier album paru de l’artiste, entre autres dessinatrice, graveuse et céramiste, en janvier 2023 pour la France, Corps vivante, et + largement, vers la texture autobiographique de ses créations. Corps vivante a dans ce sens d’emblée été inscrite dans le sillage de Moi aussi je voulais l’emporter (Montréal, 2017) et du Journal de l’autrice, d’abord édité chez L’Agrume (Paris, 2014 – Koyama Press, Toronto, 2013), éditeur de littérature graphique & jeunesse, puis aux éditions Pow Pow (Montréal, 2020), fondées par l’auteur Luc Bossé.

Mi-récit mi-essai qui retrace un moment de la sexualité de l’autrice, « la ligne de [s]on devenir lesbien », Corps vivante continue d’épaissir le trait du Journal, fil de funambule sur lequel l’intime reste résolument politique, – articulation définie à l’occasion de cette rencontre comme proprement féministe -, et ainsi, comprend toujours une part de risque. En l’occurrence, cette couleur militante trouvait pleinement sa résonnance dans cette 50e édition du festival, placée sous le patronage prodigieusement foisonnant et dynamitant de Julie Doucet, définie comme une des premières autrices à avoir dit que le milieu de la bande dessinée était un univers machiste. Cette rencontre avec Julie Delporte a ainsi permis de réfléchir aux relations entre les œuvres autobiographiques de la jeune autrice, situées entre continuité et discontinuité, mais aussi à l’incidence créatrice de ses mères et sœurs dans l’écriture. En effet, Julie Delporte s’est très tôt dans cette rencontre affirmée dans son besoin de récits des autres pour se construire et comme créatrice de livres qu’elle aimerait elle-même lire. Son statut d’autrice n’a donc jamais été très loin dans son discours, de celui, profondément humble et nourrissant, de lectrice – fonction aussi assumée dans le cas de son œuvre par Mirion Malle et l’autrice du Drap blanc, Céline Huyghebaert.

Replaçant Corps vivante dans sa pleine dimension autobiographique, François Poudevigne a d’abord envisagé l’autobiographie, non pas uniquement comme contenant du résultat d’une construction individuelle, mais comme lieu où peut justement se faire cette construction. Aussi la question a-t-elle été pour commencer de savoir si Corps vivante avait participé de cette élaboration personnelle. En l’occurrence, si Julie Delporte a d’abord pensé Corps vivante comme réponse à une volonté d’explication, – alors que les pages de Moi aussi je voulais l’emporter seraient davantage performatives -, l’autrice considère aujourd’hui que le processus d’écriture de cette œuvrea aussi joué un rôle dans sa construction personnelle. + particulièrement, si elle se dit affranchie de cette injonction à être une femme telle que les canons l’imposent, l’écriture de Corps vivante l’a aussi amenée à s’interroger sur son identité queer, comme s’il n’était décidément pas possible d’échapper au sentiment d’imposture. L’écriture autobiographique est par conséquent apparue à l’occasion de cette rencontre, aussi belle que nécessaire, dans sa vertu autant euristique que réparatrice.

C’est alors que s’est posée logiquement la question de la facture de l’œuvre, et en particulier, de son genre et de sa langue. L’autrice a alors défini Corps vivante comme relevant de l’autothéorie, et s’est par là-même située dans la lignée de l’autrice des Argonautes (2015), Maggie Nelson, qui utilise ce mot-valise pour désigner une forme de non-fiction qui mêle autobiographie et théorie critique. Aussi la question de l’accord au féminin dans le titre, qui finit par l’emporter, a-t-elle à nouveau articulé l’intime au politique et au critique. Si cette position militante par la langue n’était pas pensée à priori par l’autrice, celle-ci reconnaît le sens de sa présence, même si ce choix ne trouve pas forcément dans l’absolu le même écho selon les publics. En effet, l’écriture inclusive et épicène avance bien au Québec, à l’inverse de la France, où on sent une résistance, même si Julie Delporte ne perçoit aucune différence marquée entre les réceptions de son œuvre en Amérique du Nord et en Europe.

François Poudevigne a ensuite interrogé ce paradoxe de l’œuvre, qui écrit sur la violence tout en relevant d’après lui d’une écriture de l’équilibre et de la sérénité : a-t-il donc fallu négocier avec la colère ? Si elle affirme que l’écriture s’est développée sans colère, Julie Delporte a conscience que le discours familial a amuï sa parole, qu’il s’est alors agi avec cette œuvre de réinvestir pour pleinement la faire vibrer. Il demeure que c’est non lors de l’écriture mais lors de la relecture de son texte qu’elle s’émeut de ce qu’elle a vécu et qui fait qu’elle pense beaucoup à la réception de ses œuvres, qu’elle souhaite bénéfique et thérapeutique. Cette réflexion sur une reconquête nécessaire par la langue et la voix a été l’occasion de référer à la réflexion de Monique Wittig sur le male gaze, qui évoque le fantasme masculin du lesbianisme comme l’ultime récupération car fait d’une invasion par les hommes d’un lieu où ils ne sont précisément pas. Il s’agit donc avec cette œuvre de récupérer et un espace et un corps.

Cette réappropriation du corps et de sa vitalité propre s’est aussi nourrie au sein d’un travail graphique qui pourrait être dit d’absorption. En effet, Julie Delporte avait d’abord commencé pour Corps vivante à dessiner des tissus, à mon avis motif à même d’exprimer la porosité des matières qui s’imbibent, comme c’est le cas de la langue, nécessairement imprégnée et nourrie d’une position face au monde. Finalement, Julie Delporte a fait le choix de redessiner des photographies, en particulier beaucoup de paysages et de végétaux, et ne savait pas vraiment quelles images iraient avec quels mots. L’autrice voit ainsi dans Corps vivante un film expérimental, inattendument performatif, dans lequel les mots agiraient comme une voix off. La reconquête du corps par le végétal est passée + spécifiquement par l’emploi d’un certain type de crayon, très gras et sensuel, qui apparaît à l’autrice comme un corps dans le dessin. Aussi, si son Journal développait l’esthétique du carnet en se fondant sur la pratique du collage, Corps vivante est le fait d’une autrice + confiante dans sa capacité à dessiner et la capacité de son œil à regarder le monde et appréhender le vertige prodigieux de ses détails, et + avancée encore dans sa reconstruction individuelle.

Profondément soucieuse de la réception que l’on peut faire de son œuvre, Julie Delporte apprendra à l’audience à la suite d’une question posée par une auditrice, que c’est parce qu’une enseignante ne pouvait pas faire étudier à sa classe Corps vivante, une œuvre sans pagination, qu’elle a finalement décidé d’y introduire cette convention pour en permettre l’étude. Ainsi donc, si Corps vivante rompt quelque peu avec l’esthétique du carnet et de ses traces de doigts et de scotch caractéristiques du Journal et de Moi aussi je voulais l’emporter, l’œuvre porte malgré tout l’empreinte de ses lecteurices et reste donc, elle pourtant déjà si intensément créative, un drap blanc à toujours sculpter et graisser de couleurs, pour reprendre, chacune, et dire le corps qui nous appartient.

Toutes les images (hormis le bandeau avec les couvertures) sont extraites de Corps vivante, Pow Pow, 2022.