Après un premier point paru en mars 2022 sur les publication de ma première année et demi de doctorat, voici le point sur mes articles universitaires depuis, alors que j’entame ma troisième année ! (je ne compte pas les livres, j’en parlerais dans un post à part).
Alors bon, qu’y-a-t-il eu, comme vous le savez le temps universitaire fait que des choses paraissent des lustres après leur publication. Bref voici donc les articles parus entre mars de fin octobre 2022 !
La belle et intelligente couv de Jean-Charles Andrieu de Lévis
La très belle revue d’histoire culturelle Sociétés & Représentations a consacré son n° 53 (comme la Mayenne !) à la bande dessinée et particulièrement à la manière dont a été abordée l’histoire de la bande dessinée, sa façon de constituer ses archives, etc. Dirigé par Sylvain Lesage, ce numéro est particulièrement riche (et épais), avec de contributions de chercheurs et chercheuses que j’apprécie beaucoup, comme Benoît Crucifix, Florian Moine, Jessica Kohn… J’y ai signé un texte que je vois un peu comme le pendant de celui-ci, nommé « Bande dessinée québécoise : historiographie d’un champ sous double influence ».
La revue est en papier et sur Cairn, donc indisponible gratuitement aux non-chercheurs, mais j’ai déposé le texte (dans sa maquette finale, car la revue l’autorise ce qui est déjà ça) sur HAL : https://hal.archives-ouvertes.fr/hal-03668615
Ce n’est qu’une recension mais elle fait plaisir car elle est dans la Revue française des sciences de l’information et de la communication, une bonne grosse revue dans mon domaine. Pour le moments les appels à articles m’excitent modérément mais il y a de beaux dossiers réguliers, donc faire des recensions reste un moyen de participer à ce bel ensemble. Et ça tombe bien car le livre très multi-disciplinaire d’Anna Giaufret se cale bien avec une analyse InfoCom. Ma recension ici : https://journals.openedition.org/rfsic/13625
N’ayant sans doute alors pas tout compris à ce que demande comme travail un article universitaire j’avais, après un stimulant colloque, proposé deux articles à Strenae, très chouette revue sur le livre jeunesse et les objets culturels de l’enfance. Les deux ont été accepté, et il a fallu les écrire. Cela a pris du temps mais voici que la revue est parue et tout le dossier est vraiment passionnant, et riche avec une quinzaine d’articles tout de même ! Le site est en accès libre et on trouvera donc facilement mes deux texte.
Le premier, vu comme une sorte d’addendum à mon ouvrage sur PifGadget et le communisme et à des années de travail sur la question, aborde le sujet de Pif Gadget et l’écologie politique, occasion de lier mon engagement militant et cette recherche, sur un axe inattendu : https://journals.openedition.org/strenae/9420
Le second, nettement plus lié à ma thèse et croisant des sujets se recherche et passion, porte sur Pif Gadget au Québec et a été coécrit avec Sylvain Lemay, mon codirecteur de thèse, à travers l’étude de nombreux journaux et de la communication à propos du journal dans la province (où l’aspect communiste, pour le coup, était tu) https://journals.openedition.org/strenae/9439
Un contenu qui va aller en augmentant au fil des semaines, et donc à surveiller !
Si vous vous le demandez, le dessin de couv est celui de la couverture du n°14 de la seconde série des Aventures de Pif le chien (juin 1957).
Et c’est en novembre qu’est sorti mon article sans doute écrit depuis le plus longtemps pour le moment, en rythme universitaire je sais que ce n’est pas si long. Suite au colloque PIFERAI sur les strips de Pif le chien, les Éditions universitaires de Dijon ont donc publié le petit ouvrage Pif le chien – Esthétique, politique et société, sous la direction d’Henri Garric et Jean Vigreux, avec des noms qu’on retrouve dans Strenae, mais pas que. J’ai pour ma part fait une analyse pas du tout penchée sur l’idéologie mais sur l’historique éditorial et les réutilisation des strips par les éditions Vaillants, soit un article nommé « D’un support à l’autre, usage et réusage des strips de Pif le chien ». Un autre article universitaire sur Pif attend sa publication, mais j’espère que c’est le dernier à court terme, histoire de ne pas m’en dégouter ^^ En tous cas avec la sortie du livre et sa promo, tout ça a une convergence d’actualité qui, pour le coup, est assez intéressante.
Un article un peu hors de mes sujets de recherches, même si deux des personnes étudiées sont du Québec, tout de même, mais que j’ai tenu à écrire car le thème du dossier m’intéresse beaucoup. Par ailleurs, publier dans Alternative francophone, revue consacrées à la francophone « en mode mineur » dont j’aime beaucoup le postulat en cinq points et dont j’apprécie le fait qu’elle soit publiée par l’Université de l’Alberta, province où la francophonie est bien minoritaire, me faisait bien plaisir. Mon texte sur la vulgarisation/transmission scientifique du point de vue des auteurs/médiateurs se trouve sur ce lien, au milieu d’un beau numéro sur « La bande dessinée scientifique – Les nouveaux territoires du documentaire » : « Depuis la table à dessin : transmettre la science du côté des auteurs. »
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À suivre : d’autres recensions (pour le BBF et Communication…), des articles pour le Bulletin des bibliothèques de France, La Revue française d’histoire du livre, Comicalité, Voix Plurielles, Mémoires du livre, Archives des lettres canadiennes, Images du travail, Travail des images, Hermès et quelques autres projets, ainsi que deux directions de revues : un numéro de Mémoires du livre sur la bande dessinée vagabonde avec Philippe Rioux à paraître au premier semestre 2023, et un numéro (appel en cours) d’@nalyses sur « Vingt ans de bande dessinée québécoise au XXIe siècle ».
Bandeau de couv : photo d’un tiroir de mots prédécoupés pour les collages de Julie Doucet, dans son atelier, août 2022.
Il arrive que les auteurs québécois prévoient de conserver des droits distincts entre les éditions au Québec et en Europe, cela a plusieurs avantages : pour l’éditeur cela évite des transferts de livres d’un océan à l’autre, pour l’auteur cela évite que des publications en français chez d’éventuels autres éditeurs (c’est principalement le cas si un éditeur québécois n’est pas distribué en Europe) soient traitées en droits étrangers.
Jimmy Beaulieu est un auteur québécois assez lu en Europe francophone, et aussi un habitué des modifications d’ouvrages entre chaque réédition mais c’est un autre sujet (même si un peu lié). En 2013 ; les éditions Mécanique générale, qu’il a fondé des années plus tôt mais où il n’a plus d’activité éditoriale, on édité un gros recueil de ses récits autobiographiques. Le titre est clair et assez illustratif : Non-Aventures, sous titré « planches à la première personne ». Si quelqu’un pense tomber ici sur de la grande course-poursuite, c’est qu’il ne sait pas lire.
En janvier 2015 l’album est édité en Europe. J’entends souvent parler d’édition française mais c’est abusif puisque la maison d’édition, Les Impressions nouvelles, est localisée à Bruxelles. L’éditeur du livre est certes français (le scénariste et théoricien Benoît Peeters) mais il faut a minima parler d’édition européenne francophone. En tous cas, outre quelques modifications de contenu et d’agencement, la couverture diffère. Il y a le dessin, bien sûr, mais c’est assez classique avec une autre édition, le changement de titre l’est moins, surtout que la langue ne change pas. Et les « Non-aventures » deviennent « Les aventures » soit l’exact inverse.
Bon normalement si vous avez lu le début c’est clair.
Pourtant, le titre fonctionne très bien. Avec ce dessin laissant entendre une promenade calme et douce, loin de toute aventure, et le sous-titre conservé, le lecteur comprend bien qu’il s’agit d’un pied de nez et qu’il n’y aura d’aventure qu’intime et personnelle. Interrogé par Laurent Lessous pour BDZoom, Beaulieu explique le choix « Benoît Peeters, l’éditeur de l’édition européenne, n’était pas friand du titre un peu négatif de l’édition québécoise : Non-aventures. Je n’y tenais pas non plus. Nous avons bien cherché une alternative. Moi qui pense toujours à des titres de livres (à en rendre fou mon entourage), je bloquais. J’ai finalement proposé cette variante toute simple et plus drôle, “Les Aventures”, qui était le titre du premier chapitre de la section “Quelques pelures” (lequel s’intitule, dans cette édition, “Non-aventures”). » On note au passage le jeu de retitrage permanent de l’ancien album qui change nom en devenant chapitre… L’enfer des bibliothécaires.
Ce transfert de titre est passionnant, les deux jouent sur une contradiction : le premier sur la simple négation « non-aventures », l’autre peut-être plus subtilement en jouant le contraste avec l’image et le sous-titre. Aucun ne manque de poésie, je préfère a priori le second, mais peut-être est-ce simplement parce que c’est le premier que j’ai connu ? Ou que c’est un ciblage géographique efficace. Quand j’ai présenté le choix à des amis, au débotté, les avis variaient mais sans que ça ne se détache vraiment, ni se distingue par origine géographique. Esthétiquement je trouve par contre la deuxième édition plus réussie, sans aucun doute, c’est mon affaire, j’imagine.
Lors de mon séjour au Québec il y a quelques semaines, Jimmy m’a confié (pour la bibliothèque patrimoniale de la Cité internationale de la BD et de l’image) différentes éditions étrangères de ses livres. Parmi elles, deux de ce qui correspond aux (Non-)Aventures, qu’il m’a présenté comme des éditions directes de ce livre mais qui sont en réalité antérieures (il faut dire que les éditions Aventures sont déjà des anthologies, je vous le dis, un enfer pour les bibliographes).
L’édition canadienne anglophone (2010) et allemande (2014)
Une de ces éditions est paru en anglais chez l’éditeur canadien Conundrum Press en 2010 (avant la Québécoise donc), l’autre en allemand, chez l’éditeur allemand Schreiber & Leser en 2014 (après la Québécoise, mais avant la Belge, pour celle-ci). L’image de couverture est différente des éditions françaises, mais globalement partagée par les deux éditeurs en question, même si en bonne JimmyBeayulieuserie il y a des retouches (le choix de couleurs notamment, et le cadre plus ou moins serré). Le titre est évidemment traduit. Bien que pas très bon en langues étrangères il semble évident qu’aucun ne parle d’aventure, existantes ou non :
En anglais nous avons Suddenly Something Happened, qu’on pourrait traduire à peu près par « Soudain, quelque chose arrive » ou « Tout à coup, etc. ». Un très bon titre à vrai dire, qui résume lui aussi bien le contenu, et cette pseudo-aventure (prenant le contre-pied d’une vieille vision de la BD), peut-être plus explicite que les titres français, car sans sous-titre. En allemand, que je ne parle pas du tout, Am Ende des Tages (là aussi sans sous-titre). Google et des gens m’ont évoqué un « À la fin de la journée » voire « des jours » (ce qui n’est pas exactement la même chose), bon là en tous les cas, pour le coup, je vois moins bien le rapport. Mais cela semble confirmer un goût du jeu avec les titres, profitant de chaque édition pour proposer une variation, ce n’est pas si courant.
PS : J’admets que le titre est un peu mensonger, puisque qu’il ne s’agit jamais vraiment du même livre malgré un contenu largement commun, même entre les deux éditions francophones (même s’il me semble que les rééditions de Non-aventures reprennent le contenu exact des Aventures). Mais bon, vous avez quand même l’idée générale, et au début je croyais que c’était bien le même livre.
Par le hasard du petit monde, un camarade de cantine municipale de Laval a sorti son premier album, projet dont il rêvait depuis des décennies, en septembre chez Mosquito, bel éditeur indépendant dont j’ai souvent recensé des livres. Nous nous étions croisés souvent, toujours avec plaisir, et il m’avait présenté ses planches, pour d’éventuels conseils d’éditeurs. Je ne crois pas lui avoir été très utile, mais c’était un verre très sympathique. Peu après il m’a annoncé sa joie d’être édité chez Mosquito, un des éditeurs qu’il estime le plus. Dans l’enthousiasme il m’avait demandé une préface mais cela n’était finalement pas possible, rien de grave, je lui avais dit que ça me donnerait l’occasion de parler de son livre. Voici donc ma presque préface aux Trois visages de Tullula-Belle, de Stéphane Doreau et Geoffroy Larcher, sorti en ce début de mois chez Mosquito/
Couverture de l’album
« Stéphane, c’est cet homme au sourire doux, très discret. On me le présente un jour, au bout de la table dans une cantine du foyer des jeunes travailleurs, à Laval, où nous déjeunons entre collègues. Nous ignorions encore que, quelques années après, nous allions tous les deux quitter nos postes, suivant chacun deux carrières vers le neuvième art.
« Il aime la BD, comme toi », me dit-on pour nous introduire. C’est une phrase qui me gêne toujours un peu, d’abord car si j’écris sur la bande dessinée, je dessine plutôt mal. Ensuite parce que j’ai un goût plutôt underground, qui fait qu’il y a souvent un malentendu avec des amateurs de « beau dessin ». De toute façon, il ne veut pas montrer son travail pour le moment, ce n’est pas fini. Il se concentre sur ce projet mystérieux, hors de ses heures de travail, sans faire de bruit, suivant son désir de toujours.
Lors d’une exposition, je peux enfin voir quelques-unes de ses planches, avec une maîtrise formelle importante mais, déjà, un goût de la fantaisie. Stéphane est un amateur au sens strict : il aime profondément le dessin, et c’est donc avec beaucoup de sérieux et d’attention qu’il travaille cette bande dessinée qu’il porte en lui depuis plusieurs années. Il reprend, refait, veut un produit fini, au risque du labeur. Alors lorsqu’il m’a présenté Tullula Belle, après des années, j’avais un peu peur d’être déçu et de lui donner trop de critiques.
Problème : s’il en était avide, je n’en avais pas tant à formuler. Ici un plan ou une approche, quelques coups de crayon en trop, peut-être, et encore. L’adaptation de cette histoire méconnue, écrite par le scénariste Geoffroy Larcher, est construite au cordeau, triant les mots avec finesse. Elle témoigne d’année de lecture et de passion pour la bande dessinée, cœur d’une compréhension intime. Ses couleurs, alors inachevées, étaient déjà placées avec une grande intelligence, ajoutant un charme suranné à l’ensemble, loin d’un remplissage. J’ai découvert le travail de Stéphane d’un coup, avec un album complet, et ce fut une très belle surprise. La cohérence graphique de l’univers, qui est évidemment onirique et si apaisant, malgré la violence de ce qui s’y déroule, m’a particulièrement marqué.
Je le savais amateur de Toppi, je me réjouis de le voir retrouver le catalogue de Mosquito, où il le voisine. Cet éditeur qui donne sa chance à un auteur qui ose enfin montrer son travail, d’une qualité remarquable pour un premier album. Si Stéphane accomplit un rêve d’enfant en faisant découvrir au monde le village de Mordaille, il était auteur pourtant depuis longtemps. Maintenant que son nom sera sur une couverture, il osera sans doute l’assumer et nous pourrons lire plus rapidement d’autres volumes, alors que débute une nouvelle carrière.
Maël Rannou Critique et scénariste de BD Ex-bibliothécaire de Laval »
Il y a quelques années le site Bodoï a planté et pas mal d’articles ont disparu à jamais. La disparition de certaines de mes chroniques, que je n’ai pas conservées par ailleurs, ne m’a pas particulièrement rendu triste puisque c’est surtout de l’actualité, et qu’on retrouvait trace de ces titres ailleurs. Cependant il y avait un texte qui était un peu unique, une nécrologie de l’autrice Gudule, très connue pour ses livres jeunesses, et tant d’autres, qui avait croisé le chemin de la bande dessinée de manière plus ou moins proche au long de sa carrière. Il y a peu, j’ai pensé à regarder si c’était sur archives du web et, évidemment, ça y était. Bref, pour archive, ce qui est un peu le but de ce site où je ramasse des choses à moi ici où là, voici donc ce texte, augmenté de deux pages de Gudule dessinatrice.
Kwika est un des rares albums publié comprenant des scénarios de Gudule
Anne Duguël, dîtes Gudule, est décédée jeudi 21 mai à l’âge de 69 ans. Célèbre et très prolifique auteure jeunesse, mais n’hésitant pas à s’aventurer dans le roman adulte, c’était aussi une compagne de route bien connue des amateurs de bande dessinée.
Membre d’une famille d’artiste, elle est notamment la mère d’Olivier Ka – scénariste notamment de Pourquoi j’ai tué Pierre – et de Mélaka, auteure et pionnière des blogs BD. Au-delà de cette filiation, sa signature était présente dans de nombreuses revues majeures du neuvième art. Durant des années, on pouvait la lire dans Pif Gadget, Charlie Hebdo, Fluide Glacial, L’Écho des savanes et, bien sûr, le Psikopat, qu’elle avait contribué à fonder.
Elle y écrivait surtout des textes, mais scénarisa quelques récits, souvent dessinés par Paul Carali, son compagnon d’alors (on a pu les retrouver dans les albums L’Amalgame et Kwika). Les plus curieux avaient même pu la découvrir dessinatrice dans Le Havane Primesautier, fanzine de Charlie Schlingo, elle y révélait un trait Chagalien dont elle n’aurait pas à rougir.
Progressivement éloignée de ce milieu, elle s’était épanouie dans le roman et les nouvelles, réalisant une œuvre pléthorique mais riche, reconnue aussi bien par le public que les institutions. De la littérature jeunesse, mais pas que, parlant toujours à tous et n’hésitant pas à explorer le petit quotidien comme le fantastique.
Toutefois, cela ne le déconnecte pas du tout de la bande dessinée puisque tout amateur se doit d’avoir lu Kaïra, roman ado paru en 2001 chez Flammation, racontant à travers une histoire d’amour le quotidien d’une rédaction de journal de bande dessinée. La conception, les relations avec les auteurs, les fêtes quasi-orgiaques… on y découvrait l’envers de l’édition indépendante, son charme foutraque et ses problèmes logistique. On y reconnaissait bien sûr le Psikopat, mais le roman sentait aussi Hara Kiri. Ouvrage atypique, Kaïra était autant un vecteur de vulgarisation qu’une déclaration d’amour au médium.
Pour conclure, nous vous recommandons d’aller relire son blog, dont la dernière note datée du 19 mai montre cet éternel désir de création.
Le roman Kaïra dans une édition récente
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En conclusion de la republication de 2022, deux rares pages de bande dessinées que Gudule a intégralement réalisée, parue dans Le Havane Primesautier n° (chaud) 7, Artefact, janvier 1980.
Il y a peu, j’ai regardé une fort intéressante conférence de Claude Leblanc sur la revue Garo, tenue à la Maison du Japon à Paris dans le cadre d’une exposition liée :
Avec en plus une bonne captation, que demande le peuple ?
Cela m’a rappelé que, contrairement à une pratique que j’ai plusieurs fois réalisée sur ce site, je n’ai pas publié les entretiens préparatoire pour un long article consacré au Cri qui tue publié dans Les Cahiers de la BD n°11, paru en juin 2020. Pour l’élaborer, outre une lecture fibe de chaque numéro (où Tatsumi, auteur de Garo, publiait), j’ai interviewé plusieurs personnes, dont les entretiens n’ont été que très brièvement repris dans l’article. À l’exception de Frédéric Pajak, lettreur du magazine (« Ce travail était purement alimentaire. Je n’y ai trouvé aucun intérêt, ni artistique ni humain. Une corvée. Bien à vous »), tous étaient plutôt enthousiastes.
Tous les interviewés ont un rapport important avec la revue, et le manga en France. Mercier est un cofondateur des éditions Artefact, qui a publié un album de Tatsumi en 1983, Jennequin a participé aux premiers fanzines sur le manga en France, quand à Gauthey il a fondé les éditions Cornélius et a publié Tezuka et Tatsumi, deux auteurs majeurs du magazine, ainsi que d’autres grandes figures historiques du manga.
Les propos ont été recueillis par courriel et, pour J.-L. Gauthey, par téléphone, en avril 2019. On peut toujours trouver la revue et lire l’article.
La couverture de l’album de 1983
Jean-Pierre Mercier
Lisais-tu Le Cri qui tue à sa sortie ? Quelle que soit la réponse, comment ce projet est-il né : Atoss Takemoto t’as emmené le projet, tu l’as contacté ? Oui, nous connaissions et lisions Le Cri qui tue et nous avons croisé plusieurs fois Atoss Takemoto lors des conventions, festivals, etc. Je suppose que c’est lui qui nous a proposé d’éditer des œuvres dont il avait la « représentation » (je ne sais pas quel type de relation il entretenait avec les auteurs qu’il publiait dans le Cri qui tue et qu’il proposait aux éditeurs francophones). Il me semble me souvenir qu’il proposait des histoires de Tezuka, Golgo 13 et un certain nombre de classiques. Nous avons lu tout cela et décidé que nous publierions Tatsumi, dont le type de récit nous correspondait le plus. Il faut replacer ce choix dans le contexte de l’époque : nous ne connaissions RIEN à la bande dessinée japonaise et nous avons réagi « à l’instinct ». Sans rien y connaitre, nous pensions que Tatsumi était un grand auteur. Je le pense toujours.
Hiroshima reprend un récit paru dans le n°1 du Cri qui tue (Good Bye) et un récit inédit (Enfer), est-ce vous qui avez opéré ce choix avec Takemoto ou le projet était-il « clef en main ». Honnêtement, je ne sais plus. Je suppose qu’Atoss Takemoto nous a proposé un choix d’histoires. J’ai repris la traduction déjà faite et corrigé des bricoles, me semble-t-il.
Le format d’Hiroshima est celui d’un album franco-belge, le titre reprend le thème d’une des histoires de manière plus directement compréhensible, on sent que vous vouliez toucher un plus large public. Quel a été l’accueil du livre ? Pour le format, la question ne s’est même pas posée, on a placé ce livre dans une collection dont le format était immuable, en cartonné, et voilà. Le titre est un effort conscient d’essayer de se faire repérer par un lectorat un peu plus large. L’accueil a été comparable à celui de tous nos autres livres : un petit noyau de lecteurs a été réceptif, au-delà pas de visibilité. Certains libraires nous ont reproché la couverture, qui ne rendait pas justice au contenu. À raison, me semble-t-il. La publication du livre en France a incité José Maria Berenguer (El Vibora) a publier Tatsumi en espagnol, ce qu’il a fait avec une couverture et un titre plus accrocheurs.
Aviez-vous conscience de publier quelque chose de particulièrement original (le manga) ou pas plus que l’underground néerlandais par exemple ? Sans doute, mais on n’en faisait pas des caisses là-dessus. On avait commencé avec Tante Leny, on continuait avec El Vibora, publier un auteur japonais était logique. On s’acharnait à publier des auteurs étrangers inconnus à l’époque de l’explosion de la nouvelle BD française… De vrais Indiens contraires.
Enfin, y avait-il d’autres projets liés à Takemoto d’envisagés par Artefact durant un temps ? Je ne sais plus. Si on avait pu, on l’aurait fait je suppose, mais notre situation financière était tellement tendue que nous étions sans doute occupés à colmater les brèches par ailleurs.
Numéro de Manga 10000 images consacré à Tezuka, Jennequin y a écrit un article (sommaire en cliquant sur l’image)
Jean-Paul Jennequin
Tu étais lecteur du Cri qui tue, comment as-tu découvert cette revue et te souviens-tu de ta réaction à l’époque ? J’ai découvert Le Cri qui Tue tout simplement chez mon marchand de journaux habituel. À cette époque, il y avait encore une large presse BD qui valait la peine de passer régulièrement chez le kiosquier. Quand j’ai vu de quoi il s’agissait, je me suis jeté dessus. J’attendais une revue de ce genre depuis l’article (enfin disons, l’articulet) sur la BD nippone qui était paru dans Phénix 21.
Quelle BD t’aurais particulièrement marqué, s’il y en a eu une, et quel impact cela a-t-il eu sur ton intérêt pour le manga (tu as participé à des zines sur le mangas dès les 90’s, a écrit un long article sur Tezuka…) ? Je pense que les BD de Tezuka et d’Ishimori (c’est comme ça qu’Ishinomori signait à l’époque) m’ont particulièrement impressionné. Tezuka, j’avais déjà vu son style de dessin dans les dessins animés Le Roi Léo et Le Prince Saphir, qui passaient à la télé quelques années auparavant. Et Ishinomori, j’avais vu, là encore, un épisode de Cyborg 009 dans un cinéma vers1969. Le Cri qui Tue publiait des articles sur les auteurs et la BD japonaise, ce qui aidait à placer les bandes dans un contexte. Le Cri qui Tue a renforcé un intérêt pour le manga né avec ce fameux « article » dans Phénix. C’est véritablement avec cette revue que j’ai commencé à prendre conscience de la vaste terra incognita que constituait la BD japonaise.
Peux-tu me redire l’anecdote, non attestée mais intéressante, sur la venue de Tezuka et le dépôt de Cri dans Angoulême ? Je pense que je la tiens de Didier Pasamonik. Selon lui, l’année où Tezuka était venu à Angoulême (1982), Takemoto aurait mis des invendus du Cri qui Tue en distribution gratuite dans tous les hôtels de la ville, pour que les gens se servent. Mais ça n’intéressait pas grand-monde, apparemment. Il faut dire que ceux que ça intéressait les avaient déjà achetés. Tu pourrais poser la question à Didier, qui pourrait peut-être te la confirmer. Bernard Joubert était à Angoulême cette année et a photographié Tezuka sur le stand où il dédicaçait. Et François Corteggiani était à Angoulême cette année-là également (on le voit représenté par Tezuka dans le petit reportage en BD que ce dernier avait fait de son passage à Angoulême). Sinon pour le crédit, Tsunami n’était pas le premier zine manga de France [NDA : j’avais contacté Jean-Paul en lui disant que je l’interviewais en tant que premier éditeur de fanzine sur le manga en France]. Cet honneur revient à Mangazone, créé par Patrick Marcel qui en auto-édita une première version photocopiée avant de l’animer pour sept numéros édités par l’association Saga (celle qui éditait et édite toujours Scarce). J’ai repris la rédaction en chef de Mangazone au huitième et dernier numéro. C’était peu ou prou au moment où Tonkam m’a proposé de faire une revue manga/Japanime. Ce fut Tsunami. Si ça t’intéresse, je dois encore en avoir quelques exemplaires en double dans ma documentation.
Couvertures des n° 1, 3 et 5 du Cri qui tue (1978-79-80). On note la curieuse présence de Mafalda, qui proclame « I’m back » alors qu’elle n’a jamais été là (Léa de Louise Attaque style)
Jean-Louis Gauthey
Tu étais lecteur du Cri dès la sortie où tu l’as trouvé a posteriori ? Oui, dès la sortie, le n° 1 avec Golgo 13 en couverture. Mais c’est flou, je l’ai peut-être découvert après.
On repère une influence directe sur ton catalogue, on y retrouve Tezuka et Tatsumi, mais ça a pris du temps, plus de 30 ans pour les publier. Tu as eu envie de les éditer dès cette époque et ça a maturé ou c’était moins évident ? Tatsumi oui ça c’était évident, l’album d’Artefact a du sortir en 1983 et c’était ça le plus grand choc. C’est vraiment ce livre, avec l’histoire sur Hiroshima qui n’est pas parue dans la revue je crois. J’ai du le lire avant sans imprimer son nom. Dans Le Cri qui tue ce que je trouvais étrange c’était ce mélange qui m’apparaissait sans aucune cohérence Entre Demain les oiseaux de Tezuka et Golgo 13 de Saïto, je ne voyais aucun fil conducteur. À la rigueur en cherchant je pouvais faire un lien, mais avec Tatsumi plus du tout. À l’époque je devais avoir dix ans, j’ignorais tout des liens historiques et personnels qui les unissaient tous les trois. C’était complètement aberrant. Mes références étaient la bande dessinée franco-belge et un peu d’underground français digéré qu’étaient L’Écho des savanes et Fluide Glacial, les codes étaient complètement différents.
Autour de cette nouvelle culture, Le Cri qui tue publiait aussi des articles sur le Japon et sa culture, sur les mangakas, tu les lisais ? Oui, et justement à l’époque ça a conforté mes a priori. La télévision française à cette période parlait surtout du Japon à travers des particularisme, voire des légendes, édifiés en généralités comme « les japonais mangent la moitié des poissons au restaurant et rejettent le restent dans un aquarium » ou « les japonais dorment dans des hôtels avec des chambres capsules » qui devient « les japonais prélèvent juste ce qu’ils veulent manger sur un animal » ou « les japonais dorment dans des capsules ». Ce que décrivait Le Cri qui tue aussi c’était l’industrie des auteurs de mangas et tout ça fusionnait dans ma tête et a retardé ma rencontre avec le Japon. Ce n’était pas tant ce qu’ils racontaient, les sujets sont noirs mais c’est vraiment ce décalage, cette dissonance esthétique qui a collé avec tout ça. La manière dont Takemoto décrivait ses rencontres avec les auteurs était sympathique mais ça semblait très différent et cela me laissait penser que je n’aurais jamais les contacts, alors qu’avec les auteurs français j’avais les contacts. Je comparais avec ce que je connaissais et je me disais « ohlalala c’est très différent ». Bon, c’est vrai que c’est très différent, incontestablement, après j’ai pu y aller, rencontrer, corriger des informations médiocres, mais l’écart culturel reste réel. Certains font semblant de ne pas le voir mais moi c’est ce qui me plaît.
Le premier Tezuka (2005) et le premier Tatsumi (2008) de Cornélius.
Si la sélection des auteurs du Cri qui tue peut paraître incohérente le choix est quand même extrêmement fort. Tezuka, Ishinomori, Saïto et Tatsumi sont désormais reconnus comme des auteurs majeurs. Oh il en manque, forcément, mais on constate surtout qu’à part Tatsumi ce sont des auteurs venus de grandes maisons comme Shueisha ou Shogakukan. Dans la revue il dit très simplement qu’il veut publier des trucs assez commerciaux, même si à part Golgo 13 il n’y a rien qui se vendait si bien que ça.
Outre Tatsumi, tu as aussi directement repris Tezuka dans ton catalogue, même si tu n’as pas publié Demain les Oiseaux. Pourquoi avoir publié Tezuka, et que trouvais-tu dans les titre que tu as publié que tu ne retrouvais pas dans les autres publications de l’auteur ? En tous cas, ça a lancé dans ta structure un vrai fonds de classiques du manga. Demain les oiseaux est chez Delcourt, quand j’ai enfin pu le lire j’ai finalement été un peu déçu. C’est très décousu et il fait référence à Demain les chiens de Simak, qui est quand même un excellent bouquin, que j’ai lu entre-temps et ce n’est pas le même niveau. Ce n’est pas ce que je préfère de Tezuka. Mais bon Tezuka je n’aime pas tout, souvent ça commence très bien et ça s’affaiblit. Il aurait pu publier d’autres choses, Blackjack aurait très bien marché dans ce format… Mais pourquoi Tezuka ? C’est quand même un acte fondateur, ça me paraissait cohérent de présenter cette période de Tezuka qui été peu présentée en France, et elle l’est encore assez peu d’ailleurs, en gros mi-50/mi-60, qui est à mes yeux sa meilleure période. J’aurai aimé en publier d’autres mais il faut savoir que ça se vend assez mal Tezuka. Ce qui m’intéressait c’était ce qui sortait du cadre du mangas tel qu’il était conçu en France : une bande dessinée de flux très commerciale. Le mangas c’est bien plus que ça, incluant la BD expérimentale et de niche. Tezuka pouvait poser ça, puis Tatsumi évidemment mais les choix sont presque théoriques.
Tatsumi est aujourd’hui fondamental dans ton catalogue, avec désormais une anthologie annuelle, on a vraiment l’impression que c’est de lui qu’on part pour découvrir des dizaine d’autres auteurs méconnus. J’ai payé mon tribut à Tatsumi, de la même manière que si je peux un jour je le paierai à Gotlib. Ce sont deux auteurs absolument fondateurs pour moi donc c’était une évidence que je devais le publier. Malheureusement je n’ai pas pu le publier le premier, après Artefact, parce qu’il y a eu un malentendu avec l’éditeur japonais qui a cru que je ne voulais pas le faire et l’a proposé à Vertige Graphic qui l’a publié en 2003. Il faudra encore cinq ans pour sortir L’Enfer, le même titre que le deuxième récit de l’album Artefact.
Cornélius débute la publication de Tatsumi en 2008, en 2015 l’éditeur lance une grand anthologie chronologique. Cette ville te tuera est le premier volume. Je l’avais chroniqué ici
Cela n’échappe pas à celles et ceux qui me suivent : j’écris beaucoup, de la chronique d’album au livre, en passant par la tribune d’opinion (et Julie Doucet a bien gagné !) ou l’article de fond. Depuis que j’ai débuté mon doctorat en septembre 2020 je publie aussi, forcément, des articles universitaires. Généralement long, parfois un peu laborieux, ils passent par le fameux principe de la relecture en double aveugle (deux correcteurs anonymes relisent le texte, anonyme aussi, le commentent et l’évaluent). De mon expérience c’est intéressant mais parfois curieux (j’ai parfois eu des relecteurs aux avis diamétralement opposés), c’est en tous cas un rythme très différent de la presse et une reprise assez éreintante. Moi qui déteste me relire ou revenir sur un truc fait dans le passé j’y suis bien obligé, c’est le jeu, et je découvre aussi des délais parfois très long, le délai moyen est bien de six à huit mois entre écriture et publication mais, dans certains cas (notamment les actes de colloques), ça peut prendre des années.
Autre chose remarquée, je suis en Sciences de l’information et de la communication, une matière qui est par principe aux croisement. J’écris donc dans des revues diverses avec des articles publiées ou en cours de publications dans des revues d’histoire (surtout, puisque mon labo est quand même un labo d’histoire culturelle), d’arts et lettres, de métiers du livres et des bibliothèques, de journalisme… Tout ça pouvant entrer dans les « revues qualifiantes » nécessaires pour chercher des postes une fois docteur. Tout ça est loin mais pas inintéressant. Je constate aussi des pratiques différentes selon les revues, plus ou moins exigeantes, même si je n’ai jamais eu l’occasion de traiter avec une revue prédatrice (de toute façon par principe si quelqu’un veut que je paie pour publier je fuis).
Bref, ci-dessous la liste des articles universitaires que j’ai publié à ce jour depuis le début de mon doctorat, certain ont été écrit bien avant : l’année anticipant ce doctorat pour Le Temps des médias notamment, en dialogue avec ma directrice, me permettant de débuter avec déjà un revue qualifiante dans mon CV, ou carrément dans des colloques fait il y a des années, comme celui sur Glénat. J’attends toujours la publication de celui sur Pif le chien, tenu en 2019.
Octobre 2020 : « La bande dessinée durant le Printemps érable (2012), un outil de diffusion et de mobilisation pour une lutte en cours », Le Temps des médias, 2020/2 (n° 35), p. 54-71. Premier vrai article publié dans le cadre de mon doctorat, en répondant à un appel pour un dossier sur les luttes sociales, il mêle mes quatre thèmes favoris : BD, politique, Québec et fanzines ! Autant dire que je pouvais m’arrêter là (mais non). J’ai envie de leur proposer un varia depuis longtemps, ce sera possible quand j’aurai fini les quatre articles en retard j’imagine…. En ligne : https://www-cairn-info.ezproxy.universite-paris-saclay.fr/revue-le-temps-des-medias-2020-2-page-54.htm (pour ceux qui n’ont pas cairn je l’ai mis sur hal aussi).
Je trouve ça curieux ces revues universitaires ne changeant jamais de couv, il n’y a même pas le thème (et en plus ils se sont gourés sur l’année).
Juin 2021 : « La bande dessinée québécoise et ses liens avec l’Europe francophone : une histoire artistique et critique encore à établir », Études canadiennes / Canadian Studies, 90 | 2021, 113-139. Un texte présentant les intuitions de ma recherche future, je l’avais écris en début de doctorat, c’est un peu touffus, pas forcément très construit, mais particulièrement utile en début de recherche pour commencer à centrer mon propos. Un article à paraître cette année en est un peu le pendant du côté historiographie. De manière plus générale ça m’intéressait assez de publier dans la seule revue d’études canadiennes en France et je suis plutôt bien tombé avec un n° sur la jeune recherche pile quand je débutais la mienne ! En plus ils ont décidé de mettre tous les numéros sur OpenEdition dès parution avec ce numéro https://journals.openedition.org/eccs/4774
Entre les gros folios, les textes au milieu de l’image géante et la couleur de typo on a autant un recueil d’articles, vraiment chouette, qu’un essai plastique et d’édition, qui me questionne un peu plus.
Juin 2021 : « Inachève bien les chevaux, tentative de typologie des bandes dessinées inachevées », Éclat n°1, p. Si ce n’est pas strictement une revue universitaire (il n’y avait d’ailleurs pas de relecture en double aveugle), cette revue éditée par la Haute école des arts du Rhin et 2024 publie les actes d’une journée d’étude passionnante tenue en octobre 2019 sur la BD fragmentée, curieusement mêlée à des dessin d’étudiants et à une mise en page en typo viollete-rose, pourquoi pas. J’avoue assumer modérément le jeu de mot de titre finalement ^^ Texte sur hal : https://hal.archives-ouvertes.fr/hal-02549690
Autre exemple de revue avec toujours la même couv mais là le thème est annoncé.
Août 2021 : « La bande dessinée argentine et la politique, autour d’un malentendu – Entretien avec Latino Imparato », Caravelle n° 116, p. 151-166. Comme j’ai fait un dossier de revue sur la BD argentine, une anthologie de BD colombienne, que je publie aussi des chiliens dans Gorgonzola, des gens croient que je suis expert de la zone latino-américaine : en fait, absolument pas, je ne parle d’ailleurs ni espagnol ni portugais ! Alors quand on m’a contacté pour un dossier sur la BD argentine et la politique dans une des plus grosses revues d’études hispaniques et lusophones j’étais un peu embêté. In fine, on m’a proposé de réaliser un entretien avec un acteur de l’édition en France, c’était alors beaucoup plus simple et pas un réel article universitaire, mais bien dans une revue universitaire, le malentendu du titre pourrait aussi désigner mon rapport à la BD latino-américaine. C’est en ligne sur OpenEdition : https://journals.openedition.org/caravelle/10859
Novembre 2021 : « Jacques Glénat et les fanzines », avec Philippe Capart, et « Titeuf et la génération Tchô », dans Reyns-Chikuma Chris (dir.), 50 ans d’histoire des éditions Glénat, Presses de l’Université de Liège, coll. « ACME ». La journée d’étude a du avoir lieu en 2018, bizarrement l’éditeur a tenu à fusionner la communication de Philippe et moi, qui parlait du jeune Glénat-Guttin, pourquoi pas mais ce sont vraiment deux blocs indépendants réunis un peu artificiellement. Constatant que durant ce colloque personne n’avait parlé de Titeuf et Tchô, juste tout de même importante chez Glénat, j’ai proposé un article sur ce sujet aussi. C’était beaucoup, mais j’aime vraiment cet article, même si croyant que le livre ne sortirai jamais j’en ai proposé une version plus grand public et limité à Titeuf à Bédéphile, et que les deux trucs sont finalement sortis en même temps, hum.
Décembre 2021 : « Le Prix de la critique ACBD de la bande dessinée québécoise : construction, limites et réceptions d’un objet contradictoire », InterFaces n°31 (2). Article pour la revue en ligne de l’Universidade Federal do Rio de Janeiro, revue majoritairement en portugais consacrant son dossier au thème « Prix : querelles et consécrations ». C’était intéressant à faire, sur une matière très contemporaine (qui a déjà évoluée) et c’est en ligne : https://revistas.ufrj.br/index.php/interfaces/issue/view/1922/
D’autres articles sont déjà écris : deux pour Strenae, un pour Société & Représentation, un est en cours de rédaction pour Alternative francophone, un autre pour la Revue française d’histoire du livre… Un projet de numéro coordonné pour Mémoires du livre, des projets pour le Bulletin des bibliothèques de France et Sur le journalisme… Mais aboutiront-ils ? Quand paraîtront-ils ? C’est un mystère ! M’enfin, c’est déjà pas mal en un an et demi de doctorat ces publications.
Edmond Baudoin est un des auteurs français de BD les plus importants de la fin XXe, son influence est majeure, la diversité de ses approches aussi. Il y a beaucoup à écrire dessus et d’ailleurs j’ai eu le plaisir de faire deux textes sur son œuvre : l’un sur la place du policier et du roman noir, pour cette monographie chez Mosquito, l’autre sur la place du Québec, où il a vécu trois ans, pour le dossier en ligne de neuvième art 2.0. J’en écrirai sans doute d’autres, il y a beaucoup de tentatives, plus ou moins réussies, mais toujours intéressantes, chez Baudoin.
Au rang des choses qui m’ont toujours étonné est que, depuis les années 1980, il y a une quasi constante erreur sur son nom, qui revient régulièrement. Dans des articles, dans des salons (je me souviens d’avoir vu un tableau de dédicaces erroné à BDFil, corrigé quand je suis revenu), mais aussi dans des livres où il est publié. La diversité de supports, quels que soient leurs professionnalismes, et son étendue temporelle me surprend toujours. Il y a assurément encore beaucoup de « Baudouin » à relever, notamment dans les imprimés (là j’ai très majoritairement du en ligne, facile à trouver). Mais en attendant cette recherche, une première salve, en guise d’invitation : si vous en trouvez, n’hésitez pas à me les envoyer à maelrannou @ lilo.org
Chic magazine n° 2, mai 1984
Page d’annonce d’un récit de Baudoin & Wagner dans Le Scribe n° , 200
L’Express, mai 2011.
Chronique sur Planète BD, décembre 2012
Émission de France Inter, février 2014
Chronique sur France Culture, octobre 2015
Interview sur Planète BD, octobre 2015 (de nombreux autres articles de ce site deux fois retenu indiquent correctement le nom de Baudoin)France 3 Régions, octobre 2017Un article sur José Jover dans, il me semble, un journal interne d’un lieu l’exposant (CIC je crois ?)ActuaBD, octobre 2021
Dans la série des entretiens préparatoires, une courte série de questions à José Jover, membre d’Anita Comix, qui a publié dans beaucoup d’endroits dans les 80’s et notamment dans Pif Gadget, avec Aziz Bricolo. Envisagé pour mon livre à paraître chez PLG (Pif Gadget et le communisme) dans quelques mois, j’ai reçu ces réponses il y a quelques semaines, alors que la maquette du livre est bouclée ! Très souvent, le camarade Jover répond à mes questions en développant autre chose, d’imprévu et de tout de même fort intéressant ! C’est l’occasion de parler de bande dessinées, d’édition (José Jover a lancé Tartamudo), du nouveau Pif Gadget et de militantisme, un terme qui – chose rare – n’effraie pas notre invité !
Avant de collaborer avec Pif Gadget, en étiez-vous lecteur ?
Oui bien sûr et aussi de son ancêtre Vaillant !
La série Aziz Bricolo est signée avec Boudjellal et Larbi, vous formiez ensemble un groupe nommé « Anita Comix », souvent présenté comme le premier atelier d’auteur de BD issu de l’immigration. Pouvez-vous présenter un peu ce que vous voulez dire par là et comment la série Aziz Bricolo est arrivée dans Pif Gadget ?
Aziz Bricolo est né d’abord dans le magazine du syndicat national des instituteurs Virgule (1981). J’avais pris rendez-vous avec la rédaction, dont le rédacteur en chef était PEF : auteur Jeunesse célèbre avec son Prince de Motordu mais à l’époque il n’avait publié qu’un seul album Jeunesse : Moi ma grand-mère (La Farandole, 1978). Pef, est devenu un ami très proche aux cours de toutes les années qui ont suivi.
Puis, j’ai dit à mes deux acolytes d’Anita Comix, Farid Boudjellal et Roland Monpierre de se joindre à moi pour ce journal, nous avons donc créé « Aziz Bricolo » pour Virgule. Nous avons commencé à travailler ensemble avant Aziz, avec un personnage que j’avais créé à la fin des années 1970, « Raymond Lafauche » : un pervers sympa et voleur, dont l’occupation principale était à base de gags sur le vol et sur une page ! (courrier des lecteurs bien gratiné d’ailleurs : ils adoraient ou détestaient !). Entre Raymond (qui était le prénom de mon beau père à l’époque) et Aziz, l’aventure a duré deux bonnes années, à raison d’une ou deux pages par mois, d’abord avec Raymond puis avec Aziz : ce dernier était une volonté de Pef qui voulait une série sur la diversité.
Bien plus tard (1987-1988 par-là…), j’ai proposé une autre série BD (Salséro) à Anne-Marie Schropff qui était rédactrice en chef de Pif Gadget, à l’époque encore sise rue du Faubourg Poissonnière. C’était aussi le siège des éditions VMS Vaillant-Miroir du Sprint ET la Farandole, j’avais commencé pour eux un album Jeunesse avec André Igual à l’écriture : La Vie privée des Monstres. C’était encore à la demande de Pef, directeur de collection, mais La Farandole et VMS ont fermé la boîte, avant que ça ne sorte. J’ai ai fait la toute première publication chez Tartamudo des années plus tard, en 1995.
Édition des Fictionnettes de 2004.
Nous avons passé plus d’un an dans des réunions de rédaction, tous les mois chez PifGadget (dernière formule coco historique), dans lesquelles participaient des auteurs comme nous, des repreneurs de personnages de Pif (Yannick avec Hercule), mais aussi des anciens très connus de notre milieu, comme Alberico Motta ou François Corteggiani. Anne-Marie m’a proposé de faire une série comme LaRibambelle, de Roba, alors j’ai pensé reprendre Aziz, mais ce coup-ci sans Roland Monpierre, parti pour d’autres aventures. Ce sera donc avec Larbi Mechkour au dessin et couleur, je l’avais connu à la radio libre « Carbonne 14 » au début des années 1980, et présenté à Farid, avec ils ont fait LesBeurs (Albin Michel, 1985).
Avez-vous, avec votre groupe Anita Comix, ciblé ce journal en fonction de ses valeurs revendiquées ? Ou avez-vous été contacté pour ces mêmes raisons ?
J’ai créé la rencontre d’« Anita Comix », chez moi au Kremlin Bicêtre (1981), et trouvé le nom à cause d’un 33 tours que j’avais sous les yeux à mon atelier à ce moment-là, un disque d’Anita Ward (Ring my bell). Roland Monpierre, que j’ai connu aux Beaux Arts de Paris (octobre 1975, c’était l’un des rares artistes noirs !), et Farid Boudjellal, ami d’enfance de Toulon, ne se connaissaient pas, et lorsque nous avons lancé « Anita comix » nous ne savions pas que nous avions créé le concept Black Blanc Beur ! Je me suis dit aussi, que les rédacteurs en chef préféreraient imaginer voir débarquer une belle sud-américaine, plutôt que trois poilus issus de l’immigration ! Et ça a marché, comme quoi… Plus tard, nous avons participé à la naissance de SOS Racisme dont les leaders étaient des sous-marins du PS, Harlem Désir (choisi pour son nom !) et Julien Dray. Nous avons fait l’affiche pour « La Marche des beurs N°2 : convergence 84 ». Nous apparaissons aussi dans le film Performances, sur les talents issus de l’immigration, avec Rachid Taha et une grande et belle expo à Beaubourg sous l’égide de Jack Lang.
Affiches d’Anita Comix pour Convergence 84 et SOS Racisme
En plus de Pif Gadget, nous avons commencé à bosser pour Pilote, dirigé par Jean-Marc Thévenet, réalisé des tas d’affiches et de plaquettes illustrées, et beaucoup travaillé pour toute la galaxie de la presse communiste : Révolution, Regard, L’Humanité et L’Humanitédimanche, pour qui j’ai illustré des articles de presse et quelques couvertures… PifGadget est dans cette galaxie.
Ma motivation est simple à comprendre : j’ai été un immigré avant ma naturalisation, avec une carte de séjour et une carte de travail. J’ai participé à des associations (oubliées) en faveur des immigrés, telle le CUFI (Comité Unitaire Français Immigrés) et suis entré dans l’extrême gauche Trotskiste d’Alain Krivine. Ils me paraissaient les mieux indiqués au regard des sectes des malades maoïstes, de Lutte Ouvrière, voire des trotskistes dits Lambertiste, dont avait fait partie Jean-Luc Mélenchon, par exemple. On a pu débattre sur ces thèmes ensemble, au début des années 2000 puisque je l’ai fréquenté de près.
C’est la raison pour laquelle il est présent dans le documentaire Jeunesse (collectif avec entre autres, Cavanna, Luis Régo etc) Mon album de l’immigration en France, que j’ai publié et co-dirigé avec ma jeune assistante de l’époque, que j’ai formé, Bérengère Orieux, qui est devenue éditrice de Ici-Même.
Aziz Bricolo est publié en 1987-1988 dans PifGadget, pourquoi la série s’est-elle arrêtée si vite ?
Parce que ça a fait faillite : les communiste feraient mieux d’engager un expert-comptable plutôt que des leaders politiques. François Cortegianni a pu récupérer des originaux des grands anciens, à VMS : DANS LES POUBELLES ! Ils avaient été jetés. Du coup, il m’a offert un original des Rigolus et des Tristus, de Cézard
On entend souvent qu’après 1975 le lien entre Pif Gadget et le communisme devient très ténu. Aviez-vous eu des échanges politiques avec la rédaction ou des collègues ? Sentiez-vous ce ce patronage du parti qui existait toujours ?
De fait, quand Pif Gadget renait de ses cendres vers 2004-2005, j’ai monté l’affaire avec les gars et les filles du journal des jeunesses communistes AvantGarde : à leur demande ! Je suis allé à des réunions place du Colonel Fabien, leur siège, et à L’Humanité, à Saint Denis. J’avais fait un « business plan » à hauteur de 50 000 en kiosques, avec une culbute financière à 30 000 vendus. Patrick Appel-Muller, rédacteur en chef adjoint de L’Humanité, que je connaissais de mes activités de dessinateur dans cette presse, est venu à plusieurs reprises à mon petit bureau de Tartamudo. Il venait prendre des notes pour savoir comment j’allais m’y prendre suite aux réunions !
J’avais monté une équipe de dessinateur, et de journalistes, dont Laurent Mélikian : il pourra témoigner de ce que j’écris là. Me voilà bombardé rédacteur en chef du nouveau Pif Gadget ! Puis, Patrick Apel Muller a pris le pouvoir du journal sur la base de mes notes, et a recruté François Cortegianni comme rédacteur en chef ! Il s’en excuse encore aujourd’hui, et indique que ce n’était pas sa volonté : ce à quoi je luiai dis que c’est de l’histoire ancienne. Bref, de fait au lieu de lancer 50 000 ex comme je l’avais prévu, ils en lancent… 400 000 ex… et ça a marché ! Ils ont même dû retirer les trois premiers numéros. Laurent Mélikian voulait faire un gros dossier dans le magazine LanfeustMag, où il bossait aussi, mais je lui ai dit que je ne voulais pas la guerre avec les cocos. Il a quand même fait une page sur cette histoire dans ce journal (que j’ai gardé bien sûr !).
Enfin, ne vous a-t-on pas par la suite étiqueté parce que vous veniez de Pif Gadget ?
Oui, je suis considéré comme un « militant » EN GÉNÉRAL (pas que pour Pif !), ce à quoi je réponds systématiquement : militant de quoi ?! Militant de la cause littéraire, artistique et des auteurs et artistes, certainement !
Entretien réalisé par courriel en décembre 2021
Les folles années de l’intégration, réédition des Beurs et d’Aziz Bricolo par Tartamudo en 2004.
En 2008, les éditions Cambourakis publient Mon frère nocturne et Frances T1, deux bandes dessinées de Joanna Hellgren, autrice suédoise inconnue qui posait avec ces deux premiers livres les prémices d’une œuvre une très ambitieuse. Les deux autres tomes de sa trilogie tiennent d’ailleurs leur promesse, et puis elle a quasiment cessé la bande dessinée. Elle se consacre depuis à des livres illustrés et à des expositions qui ont l’air superbes, on peut voir un peu de tout ça sur son site.
Lors de la sortie de ses premiers livres, je l’ai rencontré lors d’une séance de dédicace. Je ne sais plus comment, mais nous avons pu échanger avec sympathie, j’ai eu son courriel et, quelques mois plus tard, elle a accepté de dessiner quatre pages d’Alice hors du miroir, un projet porté depuis longtemps (j’en avais dessiné moi-même une page vers 2007). C’était une Alice adolescente, ayant quitté le pays des Merveilles et espérant y retourner, c’était d’ailleurs sans doute très adolescent, j’étais un jeune étudiant en lettres ou en éditions, Burton n’avait pas encore fait son adaptation. Mais voilà que Joanna Hellgren dessine ces quatre pages, publiées dans le Gorgonzola n° 15 (octobre 2009), à chaque fois que je les relis je suis surpris tant je les trouve belles, j’ai du mal à considérer que j’ai à voir là-dedans !
Quelque temps plus tard, j’ai écrit un cinquième épisode, cette fois en deux pages, qu’elle a aussi illustré et qui est paru dans le Gorgonzola n° 18 (décembre 2012). J’espérais atteindre la trentaine de pages, pouvoir envisager un livret, une publication, que sais-je ?
Mais tout ça était bénévole et Joanna avait déjà été bien gentille de dessiner ces 6 pages, qui ont l’avantage de se conclure – enfin, elles restent en suspend, mais chacun des épisodes de cette série finissent comme ça. Parfois j’ai envie d’en réécrire, peut-être avec d’autres dessinateurices, peut-être en rêvant qu’un jour Joanna y revienne. En attendant j’ai acheté l’original de la première planche, qui est dans mon salon (enfin, était, là je viens de déménager) et j’ai très envie de m’intéresser à ces travaux récents de Joanna dont j’ignorais l’existence et que je découvre à l’occasion de cette replongée dans ses pages.
Pour le numéro 13 des Cahiers de la BDsorti en janvier dernier, j’ai réalisé la majeure partie du dossier sur l’engagement. Dans les travaux préparatoire j’ai rapidement échangé avec Elsa Abderhamani, une autrice-éditrice dont j’aime énormément le travail comme la radicalité des propos. In fine j’ai du en utiliser deux phrases. Nous l’avions évoqué à l’époque avec elle, je publie donc notre échange. C’est frustrant car elle ne semble pas avoir de site où acheter son formidable ensemble de zines sortis récemment (l’image chapeau en est un) qui sont pile dans le sujet. Reste son compte instagram.
Le zine Bien, monsieur. est un peu plus facile à trouver et se commande sur leur site. Ce travail collectif est très recommandable et mêle des formes bien différentes de récits politiques, dont toujours des propositions des deux fondatrices (Elsa Abderhamani, donc, et Juliette Mancini).
EDIT : On peut trouver quelques uns de ses zines au Monte-en-l’Air (Ménilmontant) et sur le site du FRAC PICARDIE.
Politique, militant ? Ce sont des termes que la majorité des artistes fuient comme la peste mais qui semblent revendiqués par Bien, Monsieur. Sur quel constat initial avez vous créé la la revue?
Pour préciser le terme militant, Bien,monsieur. est l’association de plusieurs thèmes et idées que Juliette et moi partageons sur le féminisme, l’anti racisme, les rapports de pouvoir, etc. On fait particulièrement attention à ne pas privilégier une idéologie, ou nommer des groupes, des personnes politiques. On ne s’associe pas à un courant politique en particulier.
Mais il me semble que ceux et celles qui dessinent et se disent apolitiques ont tort, c’est impossible. On participe ou non à l’ordre établi.
Avec Juliette, nous avons eu l’idée de cette revue en 2015, juste avant et après les attentats à Paris, qui ont accéléré la création de notre association. C’était une période de brouhaha constant et de publications continues de dessins et de représentations violentes, ce qui rajoutait à la violence et au stress subis par les attentats. Nous avions besoin et le désir de nous exprimer, sur ce qu’il se passait, sans nécessairement réagir dans l’urgence et la colère. Et comme cette revue était dans notre esprit depuis quelques mois, nous l’avons créée rapidement, et sorti un premier numéro dès la fin 2015.
Notre envie de départ était également de nous lâcher, d’expérimenter, et de ne pas nous contenter de faire de jolis dessins.
A droite, une de mes pages favorites (et des plus puissantes) de ce zine
Quelle forme de bande dessinée la plus percutante dans le combat politique ?
C’est une question difficile.
J’ai tendance à penser que ça dépend du sujet, et qu’il faut réserver le témoignage et la parodie à des cas exceptionnels, en ce qui concerne les différentes formes de luttes. Pour la parodie humoristique, les seules fois où j’ai eu un peu peur du ton en lien avec le sujet abordé dans des histoires pour Bien, monsieur. c’était justement en lien avec l’humour choisi.
Il y a tellement de manières de rire, et d’angles d’attaques, on oublie souvent qu’on n’a pas tous et toutes le même humour. Et qu’on peut être particulièrement blessantes en pensant pourtant avoir une idée géniale…
Je peux te donner ma façon de choisir une approche : si je décide le ton humoristique, je ris toujours de plus privilégié·e, plus puissant·e, que moi. Et lorsque je me rends compte qu’au contraire, mon propos peut être méprisant envers une personne qui a moins de droits, moins de pouvoirs, moins accès à la parole que moi, je ne choisis jamais le ton humoristique.
Pareil pour le récit esthétique et le témoignage ; la question que je me pose avant tout c’est : d’où je parle, et à qui je m’adresse, et quelles sont les personnes que ça pourrait atteindre ?
Ensuite, et ça ne veut pas dire que j’ai raison, mais j’applique mes propres règles aux autres, et en particulier aux dessinateurs et dessinatrices de presse. Par exemple, le dessin d’un homme blanc connu d’une cinquantaine d’année qui trouve un jeu de mot drôle sur les personnes migrantes ou déjà discriminées, et bien ça ne me fait pas rire. Et ça ne me parait pas percutant.
En tant qu’autrice racisée, comment approches-tu ces questions de représentations ?
La représentation en arts et en bande dessinée est vitale. Il n’y a aucune cohérence à parler d’égalité, de droits, de liberté d’expression, sans donner la parole à certains groupes entiers de population.
Et lorsqu’on invite des femmes étrangères ou non, noires, arabes, autant que des hommes blancs, et bien ça nous permet nécessairement d’avoir accès à d’autres histoires et d’autres personnages.
Je veux voir plus d’éditrices, de directrices de festivals, d’autrices et d’auteurs noir·e·s, arabes, hispaniques, etc. en France. Encore aujourd’hui, aller à un festival, pourtant international, de bande dessinée en France, c’est être confrontée à un monde entièrement blanc. Composé essentiellement d’hommes.
Ça me pose problème, et je ne comprends pas très bien pour quelle raison ça ne pose pas plus de soucis à des personnes qui évoluent soi-disant dans un milieu progressiste. Regardent-elles vraiment qui les entourent, qui elles publient et qui elles soutiennent ?
Ma réponse rejoint également la précédente: si on est entouré·e·s de personnes de milieux, d’origines, d’histoires variées, on aura tendance à mieux comprendre la société dans laquelle on vit. Et peut-être éviter l’écueil de répéter toujours les mêmes blagues et de représenter toujours les mêmes héros et personnages.
Le pack de zines et images Vive la France / Merci les colons
